Septiembre Sinfónico, 11 y 18 de septiembre 19,30 horas
Auditorio Nacional de Madrid, Príncipe de Vergara, 146
Como avance de la nueva temporada 2010-2011 que llevará por título Séptimo Arte, la Orquesta y Coro Nacionales de España presentan su Septiembre Sinfónico; un ciclo de pretemporada cuyo repertorio versará sobre cine. Estos conciertos quieren cumplir la misión de acercar la música sinfónica a nuevos públicos.
El concierto del día 11 será un recorrido por las bandas sonoras de películas como Volver, Vértigo, Amarcord, Casablanca, Psicosis, Alatriste, Bram Stoker’s Dracula …….será un verdadero “estreno de cine” con alfombra roja, focos, y photocall de invitados.
El concierto del día 18 un homenaje a John Williams con lo mejor de la saga de la Guerra de las Galaxias, contaremos con la presencia de
Spanish Garrison 501st Legion.
Kent Nagano extends his contract as Music Director of the Orchestre symphonique de Montréal
04-09-2010
Kent Nagano extends his contract as Music Director of the Orchestre symphonique de Montréal
The Chairman of the Board of the Orchestre symphonique de Montréal (OSM) Lucien Bouchard announced yesterday evening in Montréal the extension of Kent Nagano's contract as Music Director of the OSM. This new agreement, which runs through the 2013-2014 season, includes the option for another 2 years beyond that.
"As a new chapter in the OSM's history is about to begin with the opening of a new concert hall," states OSM Chairman of the Board Lucien Bouchard, "we welcome with much enthusiasm the renewal of the contract of this great conductor here in Montreal. Maestro Nagano has wonderfully contributed to the local and international renown of the Orchestra through innovative programming that creates a sense of common bond, recordings and tours acclaimed by both the public and critics, as well as through constant initiative in reaching out to the community."
"It is with great pleasure and emotion that I have accepted the OSM’s invitation to extend my contract," declares Kent Nagano. "It will allow further building and expansion of our great tradition into the future as well as sharing the exceptional qualities of Quebec culture with the local and international community. Over the last years, I have witnessed the importance of Arts and Culture in Quebec, discovered the exceptional sophistication and open mind of our public, felt the communal strength and shared a unique civic spirit. Today I feel privileged to renew my commitment to the Orchestra and to Montreal."
OSM Chief executive officer Madeleine Careau further declares : "Ever since his arrival in Montréal, Maestro Nagano, the musicians of the Orchestra as well as the public have shared a most privileged bond. For some time now, there was a common will to see him remain with the OSM. It was therefore natural to extend this collaboration, which has shown itself to be most successful over the past four years."
Kent Nagano's second term as music director of the OSM will begin with the opening of the Orchestra's new concert hall in the Fall of 2011. The acoustics of this world-class hall shall bear the signature of renowned firm Artec, whereas Diamond and Schmitt Architects is responsible for its architecture. This project is being realized through a public-private partnership between the government of Quebec and Groupe immobilier Ovation.
In September 2006, Kent Nagano officially became the eighth Music Director of the OSM. He was preceded in this position by Wilfrid Pelletier (1935-1941), Désiré Defauw (1941-1953), Igor Markevitch (1957-1961), Zubin Mehta (1961-1967), Franz-Paul Decker (1967-1975), Rafael Frühbeck de Burgos (1975-1976) and Charles Dutoit (1977-2002).
The OSM having celebrated over 75 years of existence, the excellence of the Orchestra has been demonstrated in the course of over 40 national and international tours. The OSM has produced nearly 100 recordings, earning 48 national and international awards.
El próximo 30 de septiembre se cierra el plazo para participar en el Premio Jóvenes Compositores Fundación Autor-CDMC 2010
04-09-2010
El próximo 30 de septiembre se cierra el plazo para participar en el Premio Jóvenes Compositores Fundación Autor-CDMC 2010
El certamen concede 11.700 euros en galardones
La Fundación Autor de la SGAE y el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (C.D.M.C.) han convocado la 21ª edición del PREMIO JÓVENES COMPOSITORES FUNDACIÓN AUTOR – CDMC 2010 con el interés de estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes compositores y con el propósito de contribuir al desarrollo social del conocimiento de nuevos lenguajes, tendencias y modos de expresión musicales.
Podrán concurrir al premio todos los compositores de cualquier país del mundo que en la fecha de cierre de la convocatoria, prevista para el 30 de septiembre próximo, no hayan cumplido aún 35 años de edad y sean socios de la SGAE. En esta nueva edición las obras deberán ajustarse a una plantilla instrumental conformada por un máximo de 9 fuentes sonoras fundamentales y por medios electroacústicos, con una duración máxima de 12 minutos.
Los galardones por los que optarán las obras seleccionadas como finalistas suman en total 11.700 euros, repartidos entre el primer premio “Xavier Montsalvatge” de 6.000 €; el segundo premio “Carmelo Alonso Bernaola” de 3.000 €; el tercer premio “Francisco Guerrero Marín” de 1.500 € y la mención honorífica “Juan Crisóstomo Arriaga”, dotada de 1.200 €.
Los ganadores en noviembre
El 29 de noviembre de 2010 serán dados a conocer los resultados en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid, durante un concierto con las 4 obras finalistas a cargo del grupo Ensemble Espacio Sinkro, bajo la dirección de Alfonso García de la Torre. Para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras, la Fundación Autor editará un disco promocional que reunirá las obras ganadoras del Premio.
Los interesados podrán ampliar la información consultando las Bases en la web www.fundacionautor.org o dirigiéndose al Departamento de Promoción de Repertorio Clásico de la Fundación Autor, calle Bárbara de Braganza 7, 28004 Madrid (Teléfono: 91 503.68 33; fax: 91 503. 68.19) o a través de los correos electrónicos jamer@sgae.es y cdmc@inaem.mcu.es
Wagner’s Das Rheingold, the First Installment of a New Ring Cycle, Opens the Metropolitan Opera’s 2010-11 Season
04-09-2010
Wagner’s Das Rheingold, the First Installment of a New Ring Cycle, Opens the Metropolitan Opera’s 2010-11 Season
on September 27
James Levine conducts, kicking off his 40th anniversary season at the Met
Robert Lepage’s new production stars Bryn Terfel in his first appearance as Wotan in the U.S.
Opening Night to be transmitted live to Times Square and on
Lincoln Center’s Josie Robertson Plaza, also broadcast on
Metropolitan Opera Radio on SIRIUS XM
October 9 performance of Das Rheingold to launch
the new season of The Met: Live in HD
New York, NY (September 3, 2010) – A groundbreaking new production of Wagner’s Das Rheingold, the first installment in the composer’s epic four-part cycle Der Ring des Nibelungen conducted by James Levine and directed by Robert Lepage, opens the Metropolitan Opera’s 2010-11 season on Monday, September 27 at 6:45 p.m. The new production, which relies on a complex set that utilizes advanced technology, is the most challenging staging the Met has ever produced. Bryn Terfel brings his much-anticipated portrayal of Wotan, lord of the gods, to the U.S. for the first time, and Stephanie Blythe makes her Met role debut as his wife, Fricka. Eric Owens adds a new role to his Met repertory as the evil Alberich, and Gerhard Siegel is Mime. The cast also includes Wendy Bryn Harmer as Freia, Patricia Bardon as Erda, Adam Diegel in his Met debut as Froh, and brothers Richard Croft and Dwayne Croft as Loge and Donner, respectively. It is the first time the brothers have sung together on the Met stage. The giants Fasolt and Fafner are portrayed by Franz-Josef Selig and Hans-Peter König, and Lisette Oropesa, Jennifer Johnson, and Tamara Mumford are the Rhinemaidens. Richard Paul Fink sings the role of Alberich on March 30.
Lepage’s production team consists of set designer Carl Fillion, costume designer François St-Aubin, and lighting designer Étienne Boucher, the latter two in their Met debuts. The video images are by Boris Firquet, and the interactive projections are by the Quebec-based company Réalisations.inc.
Robert Lepage, one of the world’s most creative directors of opera and theater, made his Met debut in 2008 with La Damnation de Faust. He and his production team bring cutting-edge technology and visionary imagination to Wagner’s great music drama based on Norse mythology. “The Ring is about change,” Lepage said. “I try to be extremely respectful of Wagner’s storytelling, but in a very modern context. We’re trying to see how in our day and age we can tell this classic story in the most complete way.”
The unique set features 24 moving fiberglass-covered aluminum planks that rotate on a mobile steel axis suspended between two large elevator towers. Along with the set’s extraordinary flexibility, projections are used to create the many different scenes and special effects of the four Ring operas. Interactive video projections are cued by live sound and movement. “It was important that we create a set machine that would have versatility, but at the same time feel very organic,” commented Lepage.
The cycle’s second installment, Die Walküre, opens later this season on April 22, and the Met will present the complete Der Ring des Nibelungen in the 2011-12 season. Das Rheingold is produced in collaboration with Ex Machina and is a generous gift of Ann Ziff and the Ziff family, in memory of William Ziff.
James Levine’s 40th Anniversary at the Met
The 2010-11 season marks James Levine’s 40th at the Met. The Met’s music director has conducted nearly 2,500 performances with the company, more than anyone in the company’s 127-year history. In addition to the opening night Das Rheingold, Levine conducts the Ring’s second installment, Die Walküre, in a new production opening April 22. He also leads performances of Don Pasquale, Il Trovatore, Simon Boccanegra, and Wozzeck this season. The Met is honoring Levine’s milestone anniversary with the release of two commemorative CD and DVD boxed sets of the music director’s performances, nearly all of which have not been previously available. The collections, which will be available through the Met’s website and in the Met Opera Shop beginning September 21, span Levine’s unparalleled career at the Met, and include 11 complete operas in DVD, 11 complete operas on CD, as well as highlights from historic concerts.
Live Opening Night Screenings in Times Square and at Lincoln Center
In keeping with a tradition begun on Opening Night in 2006, this year’s Das Rheingold premiere will be transmitted live to numerous large screens in Times Square and on Lincoln Center ’s Josie Robertson Plaza . Attendance is free at both locations. Tickets are required for admission to the Lincoln Center plazacast, and information on ticket distribution will be released at a later date. The Times Square relay of the Opening Night Gala does not require a ticket. Approximately 2,000 seats will be available for the public on a first-come first-served basis, with additional standing room provided. In Times Square , a number of giant screens, including the News Corporation–Sony Times Square screen, the Reuters/Nasdaq screen, and the MTV screen will carry the live performance.
Das Rheingold Live in HD and on the Radio
Das Rheingold kicks off the fifth anniversary season of The Met: Live in HD when it is transmitted live to movie theaters around the world on October 9. Deborah Voigt, who later in the season sings her first Met Brünnhilde in the new production of Die Walküre, hosts the transmission of Das Rheingold. Last season, the groundbreaking Live in HD series reached an audience of more than 2.4 million people. The transmission is made possible through funding from Bloomberg L.P. with additional leadership support from the Metropolitan Opera Guild.
The Das Rheingold premiere on September 27 will be broadcast live on Metropolitan Opera Radio on SIRIUS channel 78 and XM Channel 79. Performances on October 4, and April 2, will also be broadcast live on the SIRIUS/XM channels. The opening performance will also be streamed live on the Met’s website, www.metopera.org.
The April 2 matinee at 1:00 p.m. will be broadcast live over the Toll Brothers-Metropolitan Opera International Radio Network.
Das Rheingold Special Events
On September 22 at 6 pm, the Met will present the first in a series of new production panel discussions entitled Met Talks. Together with the artists and production team of Das Rheingold, the event will feature director Robert Lepage and will provide an opportunity to learn more about the making of this new production. All production panels will be held at the Metropolitan Opera House. Tickets will be made available through the Met Guild at $20 for the general public, $15 for Met Subscribers, $10 for Guild Members and Young Associates. Met Talks are free to all Met Patrons. To purchase tickets, call 212-769-7028 or visit www.metguild.org/lectures. Patrons call 212-870-4502 to reserve tickets to Met Talks.
Portraits from the Ring at the Met, an exhibit in Founder’s Hall in the Met lobby, features extraordinary photographs of celebrated artists who participated in Met Ring cycles, from the first the North American premiere in 1889 to more recent times. All the photos in the exhibition, which were selected from the Met’s vast collection and curated by Judith Goldman with the Met Archives, are displayed against walls papered with set designs from 1914.
Season Opening Outdoor Campaign
Agnes Varis, a managing director of the Met’s Board of Directors, sponsors the Met’s season-opening outdoor campaign for the fifth consecutive year. The campaign launches September 7, and will blanket buses, phone kiosks, subway stations, and other locations with images of Bryn Terfel in costume for Das Rheingold, photographed by Brigitte Lacombe.
More Information Go to the Met’s Web Site
For more information, including bios of the performers and production team, and general information about the Met season, go to the Met’s website at www.metopera.org/pressinfo
Entrevista de Gema Pajares a Plácido Domingo en La Razón
01-08-2010
La Razón, 30 de julio
PLÁCIDO DOMINGO
«Prohibir los toros es
política: quien no quiera
ir a la plaza que no vaya»
Nos cita a las 10:30 de la mañana
porque media hora después
ha de tomar un taxi con
destino al aeropuerto de Barajas. El avión
le dejará en Pekín (sí, han leído bien), donde
va a cantar una función en un teatro
pequeñito, de 250 butacas en forma de
tronos (y al que Plácido Domingo da tanta
importancia de palabra y con gestos como
a La Scala) y «que es una petición que no he
podido rechazar». Parece mentira que apenas
unas horas antes de este encuentro, tan
rápido como intenso, este caballero y señor
de la ópera antes que tenor haya arrancado
a Madrid más de 30 minutos de aplausos
con un «Simon Boccanegra» que ya está
instalado en la historia del Teatro Real.
-Lo primero es darle la enhorabuena
porque ha hecho lo que nadie había conseguido
antes en el coliseo: 15 minutos de
aplausos en una primera representación;
23 en la segunda, y 32 en la última. Ha
pulverizado sus propios récords.
-La verdad es que ha sido algo absolutamente
extraordinario y he sentido una
emoción como pocas veces. Siempre me
ha parecido algo muy especial cantar en
Madrid, pero lo de estos tres días... A pesar
del tiempo y de los años existe un cariño
con el público que no se rompe. Además,
se producía en unas circunstancias muy
concretas. Me voy más que feliz de mi
casa.
-Cuesta entonces pensar que se haya
llegado a decir que el Teatro Real tiene un
perfi l bajo al ver lo que ha sucedido estos
días.
-No sé quién puede haber dicho algo así ,
porque quien lo diga no debe tener una
idea clara de lo que está hablando. Desde
que se inauguró posee un perfi l muy importante;
además, es un teatro nuevo que
necesita un rodaje, pero qué más se puede
pedir: tiene un repertorio variado, cantantes
de primera, un equipo que lo ha sabido
dirigir y que lo ha hecho de maravilla como
el maestro López Cobos y Antonio Moral...
Si he de ponerle alguna pega lo único que
podría decir es que me gustaría que tuviese
un aforo mayor, nada más.
-¿Qué siente un cantante cuando el público
de un teatro en pie le pide una y otra
vez que no se vaya del escenario?
-Una emoción indescriptible. Yo siento que
allá donde vaya tengo que dar lo mejor.
Con Simon sabía que iba a pasar algo así,
pero no tanto. Si estoy bien de voz, me olvido
de que estoy cantado. En Madrid ha
habido entrega, complicidad y comunión,
y eso te produce tanta satisfacción... El
desgaste en estas tres funciones ha sido
más emocional que vocal. Siempre pensé
que quería retirarme de esta profesión
cantando el Simon, pero me ha llegado
demasiado pronto, porque aún me siento
con ánimo de seguir.
-Se le ve estupendamente, tan sosegado,
con esa sensación de paz que transmite.
-Me encuentro muy bien. Y seguiré... hasta
que un día salga al escenario y diga: hasta
aquí. Si fuera mío el plan de retirada me
gustaría cantar en 20 o 25 teatros por todo
el mundo e incluir una función de Boccanegra,
dirigir una ópera y hacer un concierto
grande para 10.000 o 12.000 personas.
Sería una buena despedida con un personaje
extraordinario.
EL PODER DE IMPROVISAR
-Lleva cincuenta años en el escenario y ha
vivido los cambios y las transformaciones
de la ópera. ¿Han sido tantos?
-Lo único negativo de la ópera es que antes,
hace años, se podía improvisar todo. Ahora
puedes no volver al sitio en que acabas
de cantar hasta dentro de dos o tres años
por temas de planifi cación. Hoy, todo está
programado. (Cuenta entonces una anécdota
sobre Caruso al que, ya embarcado y
en alta mar, le pidieron volver al teatro de
donde había salido para cantar un par de
funciones. «Hoy sería impensable algo así»,
comenta).
-Un detalle, por cierto, en un día como
ayer (por el miércoles) que, tras la función
del Real, se quitara la capa roja de Simon
y diera unos pases toreros, después de
conocerse la prohibición de los toros en
Cataluña.
-Salió así. Vi que el público gritaba «torero,
torero» y daba palmas seguidas (y hace el
gesto con sus manos), así que me pareció
lo mejor y me arranqué con un par de
verónicas. El hecho de prohibir los toros
es desgracidamente un acto político, no
creo que se esté protegiendo a los animales.
El toro de lidia está criado para
eso, se pasa cinco años viviendo de una
manera señorial y sale al ruedo para
sufrir 15 minutos. ¿Por qué prohibirlo? El
que no quiera ir a una plaza que no ponga
el pie. Yo creo, además, que no va a ser
algo defi nitivo y que se va a corregir. Los
toreros son artistas que dan lo mejor y se
juegan la vida, es una tradición nuestra,
un arte verdadero.
-También ha vivido estos días la salida
de Raúl del Real Madrid al Schalke.
-Ha sido muy triste su marcha así, después
de 16 años gloriosos, porque es uno
de los jugadores más grandes del Real
Madrid, un emblema, como lo han sido
Gento o Amancio. Creo que un jugador
de su talla no puede estar en el banquillo.
Espero que en la Copa de Europa no
tengamos que enfrentarnos al Schalke y
nos meta un montón de goles.
-¿Le ha cambiado mucho la vida padecer
un cáncer?
-Claro que cambias, y te das cuenta de
que todo lo que tienes se puede ir en un
minuto, que aquí estás de paso. Aprendes
a mirar con más tranquilidad, a quitarle
importancia a lo que no la tiene y a dársela
a lo que realmente lo merece. Lo más
importante es tener salud. Yo, allá por
donde voy, invito a la gente a que se haga
chequeos. Descuidarse marca la diferencia
porque pueden ser años de terapia. Yo he
tenido mucha suerte.
-Seis semanas de descanso con su ritmo
de vida, ¿se le hicieron cuesta arriba?
-La verdad es que no. No sentía la necesidad
de cantar porque estaba dolorido y eso
te condiciona. Me supo mal tener que
cancelar funciones en Berlín y Múnich,
pero estaba tranquilo porque veía que
cada día me sentía mejor. Aproveché el
tiempo con mi familia y el ritmo se hizo
lento, tan diferente al del teatro, al de cada
día.
-Le daría tiempo para pensar. Imagínese,
por ejemplo, que le ofrecieran dentro de
unos años dirigir el Teatro Real.
-La verdad es que no lo he pensado. Siempre
he dicho que sería muy difícil dirigir en
España, aunque sí se dieran las condiciones
artísticas y de experiencia... Por ejemplo,
imagínese si me reclamaran porque
Mortier se fuera a dirigir el Metropolitan...
Además, ya no me apetece tanto hacerlo,
lo más importante es continuar en el escenario.
Yo estoy al frente de la Ópera de
Los Ángeles y de Washington y la dirección
me hace perder mucho tiempo. Aunque,
no le voy a engañar, en España se está muy
bien y si estás rodeado de un buen equipo...
No me atrevería a tomar una decisión
así en activo.
-A principios de septiembre le espera un
«Rigoletto» en Mantua que se rodará a
tiempo real, como ya hizo años atrás con
«Tosca».
-Serán los días 4 y 5 de septiembre y se
desarrollará en los escenarios auténticos
donde sucedió y en el momento en que
pasó. Así que rodaremos mañana, tarde y
noche. Lo van a retransmitir 138 televisiones,
unas en directo y otras en diferido.
-Ha cumplido el sueño de ser Boccanegra,
pero le quedarán más, supongo.
-Me tienta cantar más papeles de barítono
y títulos verdianos, siempre muy presentes
en mi carrera. Soy una persona llena de
curiosidad: si quisiera hacer todo lo que
me apetece, necesitaría tres vidas
Fallo de los Premios Líricos del Campoamor de Oviedo
23-07-2010
PREMIOS LÍRICOS TEATRO CAMPOAMOR - 2010
NOTA DE PRENSA DEL FALLO DEL JURADO
La Fundación Premios Líricos Teatro Campoamor, constituida en octubre de 2005 a partir de una iniciativa del Ayuntamiento de Oviedo y que contó con el apoyo de un grupo de personas vinculadas a la vida musical ovetense y de varias empresas, tiene como fin principal la puesta en valor de la importante actividad lírica que se viene desarrollando en España en los últimos años.
El objeto de estos premios, de carácter nacional y que agrupan a los teatros y temporadas españolas, es reconocer la creciente y sólida actividad, tanto de ópera como de zarzuela, que actualmente se desarrolla en nuestro país, mediante el establecimiento, concesión y entrega anual de unos galardones los “Premios Líricos Teatro Campoamor”, y que llegan a su quinta edición.
Se han establecido las siguientes categorías:
Dirección musical
Dirección de escena
Nueva producción de ópera
Nueva producción de ópera española o zarzuela
Cantante masculino de ópera
Cantante femenina de ópera
Cantante revelación
Cantante de zarzuela
Premio a toda una carrera
Persona o institución que haya contribuido significativamente al mundo de la lírica.
En esta edición, se ha realizado un cambio en el apartado de categorías, siendo sustituida la categoría de “Mejor actriz o actor de zarzuela” por la categoría de “Mejor nueva producción de ópera española o zarzuela”. En este momento, por el especial empuje y esfuerzo que desde muchos teatros se realiza en favor de la creación lírica española -tanto de ópera como de zarzuela- se ha optado por reconocer ésta creciente realidad con una categoría específica que permitirá a los teatros contar con más opciones para el reconocimiento de su trabajo en este ámbito.
Estos premios están destinados a todos aquellos artistas españoles y extranjeros que hayan actuado en España en los distintos teatros, festivales y temporadas de ópera o zarzuela a lo largo del año anterior a la edición de los premios.
La presentación de candidaturas ha sido realizada por los principales teatros, festivales y temporadas de ópera o zarzuela con programación lírica estable de nuestro país. Asimismo, también presentaron candidaturas los miembros del Jurado de los Premios Líricos Teatro Campoamor.
En esta quinta edición se han presentado un total de 290 candidaturas procedentes de los principales teatros, festivales y temporadas con programación lírica estable de nuestro país, integrados la práctica totalidad en la Asociación OPERA XXI, entidad de la cual es miembro de honor la Fundación Premios Líricos Teatro Campoamor:
Teatro Real de Madrid
Gran Teatro del Liceo de Barcelona
Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia
Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera - ABAO
Teatro de la Maestranza de Sevilla
Teatro de la Zarzuela de Madrid
Asociación de Amigos de la Ópera de A Coruña
Festival d´Opera de Butxaca i Noves Creacions
Fundación Ópera de Oviedo
Teatro Villamarta de Jerez
Festival Internacional de Santander
Palacio de Festivales de Cantabria
Teatro Arriaga de Bilbao
Auditorio Baluarte de Navarra
Festival Lírico de Oviedo
Quincena Musical de San Sebastián
Teatro Principal de Palma
Gran Teatro de Córdoba
El jurado que reunido los días 21, 22 y 23 de julio de 2010 en el teatro Campoamor de Oviedo, y constituido por destacadas personalidades de la crítica especializada tanto de prensa escrita, como de revistas especializadas, ha estado formado en esta edición por D. Gonzalo Alonso (La Razón), D. Manuel Cabrera (Diario Vasco), D. Marcelo Cervelló (L’Opera), D. Pablo Meléndez-Haddad (ABC), D. Andrés Moreno Mengíbar (Diario de Sevilla), D. Arturo Reverter (El Cultural de El Mundo), D. Fernando Sans Rivière (Ópera Actual), D. Luis Suñén (Scherzo), D. Juan Ángel Vela del Campo (El País), presidido por Dª. Inés Argüelles y actuando de secretario D. Cosme Marina (La Nueva España), ha acordado otorgar los Premios Líricos Teatro Campoamor 2010 en las siguientes categorías:
Dirección musical: Andrea Marcon, por “Ariodante” de G. F. Haendel. Producción de la English National Opera. Teatro Campoamor, Oviedo. Diciembre 2009.
Dirección de escena: Carles Padrissa, por la tetralogía de R. Wagner. Por “El oro del Rhin”, “La Valkiria”, “Sifrido” y “El ocaso de los Dioses”de R. Wagner. Coproducción del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia y el Teatro Maggio Musicale de Florencia. Palau de les Arts Reina Sofía, Valencia. Junio 2009
Mejor nueva producción: “Parténope” de L. Vinci. Dirección musical: Antonio Florio. Dirección de escena: Gustavo Tambascio. Producción del Centro de las Artes Escénicas y de las Músicas Históricas de León – INAEM en colaboración con el Festival de Teatro Italiano de Nápoles. Auditorio Ciudad de León, León. Marzo 2009. Sala Argenta, Palacio de Festivales de Santander. Agosto 2009. Teatro Rosalía de Castro, A Coruña. Septiembre 2009.
Cantante masculino de ópera: Leo Nucci, por Rigoletto en “Rigoletto” de G. Verdi. Coproducción del Teatro Real de Madrid y el Gran Teatro del Liceo de Barcelona. Teatro Real, Madrid. Junio 2009.
Cantante femenina de ópera: Nina Stemme, por Salome en “Salome” de R. Strauss. Coproducción del Gran Teatro del Liceo de Barcelona y el Teatro Real de La Monnaie de Bruselas. Gran Teatro del Liceo, Barcelona. Junio 2009.
Cantante revelación: Celso Albelo, por Lord Arturo Talbo en “I Puritani” de V. Bellini. Producción de Amigos de la Ópera de A Coruña en colaboración con la Ópera de Darmstadt. Palacio de la Ópera, A Coruña. Agosto 2009.
Cantante de zarzuela: Borja Quiza, por Carlos en “La Viejecita” de M. Fernández Caballero. Coproducción del Teatro Arriaga de Bilbao y el Festival Grec de Barcelona. Teatro Arriaga, Bilbao. Junio 2009.
Mejor nueva producción de ópera española o zarzuela: “Chateau Margaux” y “La Viejecita” de M. Fernández Caballero. Dirección musical: Miquel Ortega. Dirección de escena: Lluís Pasqual. Coproducción del Teatro Arriaga de Bilbao y el Festival Grec de Barcelona. Teatro Arriaga, Bilbao. Junio 2009.
Premio especial a toda una carrera: José van Dam.
Institución o persona que haya contribuido muy significativamente al mundo de la Lírica: ABAO, por su trayectoria de más de medio siglo de actividad y con mención especial a uno de sus proyectos emblemáticos “Tutto Verdi”, actualmente en pleno desarrollo.
El jurado de los Premios Líricos Teatro Campoamor manifiesta su apoyo entusiasta a la candidatura de la ciudad de Oviedo como capital cultural de Europa en el año 2016.
En la ceremonia de entrega los premiados recibirán junto con el galardón, una estatuilla en bronce de “La Gitana de Paris” de Sebastián Miranda, un premio de 12.000 €, en el transcurso de una gala-concierto que se celebrará en el Teatro Campoamor de Oviedo a principios de enero del 2011.
Juanjo Mena es nombrado nuevo titular de la BBC Philharmonic
06-07-2010
BBC PHILHARMONIC ANNOUNCES NEW CHIEF CONDUCTOR
Juanjo Mena (Copyright Sussie Ahlburg/BBC Philharmonic)The BBC Philharmonic
has announced that the Spanish Conductor Juanjo Mena will succeed Gianandrea
Noseda as Chief Conductor in September 2011. Gianandrea has held the
position since 2002, and will take the new title of Conductor Laureate when
he steps down.
Mena’s contract is for an initial period of three years, for twelve weeks
per year. He will conduct the Orchestrain its main concert series at The
Bridgewater Hall in Manchester, as well as at the BBC Proms in London and on
international tours. Concerts by the orchestra are recorded or broadcast
live on BBC Radio 3.
As part of the BBC Philharmonic’s exclusive contract with Chandos Records,
Mena will record regularly with the Orchestra. He has already made his
first disc with Chandos and the BBC Philharmonic, featuring works by French
composer Gabriel Pierné with soloist Jean-Efflam Bavouzet. It will be
released next year.
Juanjo Mena, 44, was born in Vitoria in the Basque region of Northern Spain,
where he began his musical training at the Vitoria-Gasteiz Conservatory.
From 1999 to 2008 he was Artistic Director and Principal Conductor of the
Bilbao Symphony Orchestra, and he has been Principal Guest Conductor at the
Bergen Philharmonic since 2007. In the same year he was appointed Principal
Guest at the Teatro Carlo Felice in Italy. Outside of Europe he works with
many of America’s leading ensembles, and he makes his debut with the Boston
Symphony later this month.
He has enjoyed recent engagements with the Oslo Philharmonic, Orchestre
National de France, Orchestra Filarmonica della Scala, BBC Scottish
Symphony, Baltimore Symphony and the Philadelphia Orchestra.
Says Richard Wigley, General Manager of the BBC Philharmonic: “Juanjo Mena
is a wonderful musician who will continue the tradition of world class Chief
Conductors at the BBC Philharmonic. His ability to combine overarching
vision with a masterly attention to detail augurs well for many years of
very special music making.”
Juanjo Mena adds: “It is a great honour for me to have the opportunity to
work with this wonderful orchestra. The enthusiasm and responsiveness of
the musicians of the BBC Philharmonic create an ideal atmosphere in which we
can work together to realise our musical ideas.”
Juanjo Mena is married and has two young children. He lives in Legutiano, an
hour’s drive from the Northern Spanish city of Bilbao.
Juanjo Mena will be conducting the BBC Philharmonic live on BBC Radio 3 on
Friday 9 July at 2pm for Afternoon on 3. The programme includes the
Overture from Verdi’s opera, Nabucco, Guridi’s Ten Basque Melodies and
Dvorak’s Seventh Symphony, and will be his first concert with the orchestra
since his new title was announced.
Ends
Notes to Editors
Juanjo Mena will appear twice with the BBC Philharmonic at
The Bridgewater Hall in 2010/11
Juanjo Mena sustituirá a JAMES LEVINE en Tanglewood
24-06-2010
Juanjo Mena sustituirá a JAMES LEVINE en Tanglewood con la BOSTON
SYMPHONY el día 31 de Julio próximo. En el programa: Berg las 3 piezas;
Strauss Cuatro últimos Lieder y la 4ª de Mahler.
Una Turandot de purpurina abre Verona
20-06-2010
"Turandot" de purpurina
El Mundo, 20 de junio
Franco Zeffirelli en estado puro: eso es lo que el viernes por la noche se vio en la Arena de Verona. Este teatro, levantado en el siglo I y escenario desde 1913 de un prestigiosísimo festival lírico, ha inaugurado su temporada de ópera con un nuevo y suntuosísimo montaje de Turandot firmado por el maestro florentino, de 87 años. Fiel a su estilo, Zeffirelli escenificó para la ocasión una China excesiva, de oro y plata, majestuosa a ratos y en otros de purpurina con reflejos kitsch.../...
Zeffirelli es la gran estrella este año de la Arena de Verona. Por primera vez en sus 88 años de andadura lírica, la Arena dedica una estación completa a un único artista. Zefirelli firma todos y cada uno de los cinco montajes (Turandot, Aida, Madame Butterfly, Carmen e Il Trovatore) que este verano se llevarán a escena en el teatro al aire libre más famoso del mundo.
«La manía de ser modernos está matando a la ópera. Los de la Arena de Verona no conseguían llenar más que la mitad y los ingresos habían caído al 52%. Era un desastre. Pero se percataron que las cuatro producciones realizadas por mí habían logrado ingresos del 98%. Así que me llamaron y me pidieron hacer la temporada completa.../... Verona me ha hecho un homenaje que me compensa por los muchos sacrificios realizados y por los innumerables ataques recibidos, sobre todo en los últimos años, por quienes pretenden hacerme pasar por el símbolo de la cultura reaccionaria», añade este creador, famoso por su defensa a ultranza de la ópera tradicionalista.
Tanto es así que en la Arena de Verona Zeffirelli ha podido hacer un Turandont que ni la Scala de Milán ni el Metropolitan de Nueva York le permitieron llevar a escena. A saber: en puro estado pucciniano, sin el apéndice final obra de Franco Alfano.../...
La versión que Zeffirelli ahora ha realizado para la Arena de Verona sólo incluye la parte firmada por Puccini, dejando fuera todo lo añadido por Alfano (unos seis minutos en total), incluido el famoso dúo final entre Turandot y Calaf.
El resultado es un final precipitado en el que, tras la muerte de Liu (la fiel sierva de Calaf que sacrifica su vida por amor a su señor), se pasa casi directamente a la celebración del amor entre Turandot y Calaf. Zeffirelli se justifica en su convicción de que Liu es el principal personaje de la ópera, no Turandot. «Si Puccini hubiera compuesto una ópera sobre la revolución francesa la protagonista no habría sido María Antonieta, sino su criada. Liu representa el alma de Puccini, que se enamora de las chicas más humildes», sentencia.
Por si acaso, el contrato de Zeffirelli con la Arena incluye una cláusula que estipula que si el público rechaza el final propuesto por el maestro florentino la ópera se representará como es habitual...
Obituario de Maureen Forrester
17-06-2010
Obituario de Maureen Forrester, contralto
La voz grave de Mahler
JUSTO ROMERO, El Mundo
En los años ochenta, cuando media España descubría a Mahler impulsada por los devaneos melómanos de Alfonso Guerra, muchos conocieron su música a través de la voz grave e inconfundible de la contralto canadiense Maureen Forrester. Era la voz grave de Mahler en aquel ciclo prodigioso grabado por Bruno Walter, editado y reeditado mil veces, y que fue, es y seguirá eternamente siendo una de las cimas discográficas de la historia de la música.
Ella fue la auténtica contralto. Su timbre oscuro, rico en sonoridad, de potencia estremecedora, con graves que hacían temblar a los tenores y sopranos que tuvieron la fortuna de compartir escena con esta artista verdaderamente de raza, sólo equiparable a su gran colega y antecesora, la británica Kathleen Ferrier, nacida 18 años antes.
Natural de Montreal, de familia muy humilde, desde los trece años trabajó como telefonista para sufragarse su carrera y mantener a sus tres hermanos. Estudió con Bernard Diamant, Sally Martin y Fränck Rowe. A los 23 años ofreció su primer recital, en Montreal. En 1956 es llamada por el legendario director Bruno Walter –discípulo y amigo de Mahler- para presentar en Nueva York la Segunda sinfonía, “Resurrección”, del compositor bohemio. Fue el inicio de su inmersión sin fin en el sutil universo sonoro mahleriano.
Mahler fue siempre una referencia en sus conciertos y grabaciones. En 1958 grabó en Berlín algunas colecciones de sus Lieder bajo la batuta de Ferenc Fricsay. Precisamente este mismo año registra en Estados Unidos, con Bruno Walter y la Filarmónica de Nueva York su legendaria interpretación de La canción de la tierra. En mayo de 1966 registró en Ámsterdam, junto a la Orquesta del Concertgebouw y Bernard Haitink, la Tercera sinfonía de Mahler.
Pronto su fama se extiende a ambos lados del Atlántico. Deslumbra y es aplaudida con entusiasmo en los festivales de Montreux, Salzburgo, Edimburgo, Bournemouth y Berlín, entre otros. La intensidad de sus interpretaciones, tanto en recitales como en conciertos lírico-sinfónicos cautiva a todos los auditorios. Beethoven y su Novena sinfonía, la Rapsodia para contralto de Brahms, La canción de la tierra de Mahler o El sueño de Geroncio de Elgar son pilares de su repertorio. También la música vocal de Bach, de la que Maureen Forrester se convirtió en pionera y defensora esencial. Como documentos valiosos, se conservan sus insuperadas grabaciones del Oratorio de Navidad (bajo la dirección de Eugene Ormandy) y de La pasión según san Mateo, bajo la dirección de Antonio Janigro.
Cantó y difundió Händel cuando nadie interpretaba sus óperas. Las marcó con signo propio. Entre ellas, y de las que existe testimonio discográfico, Giulio Cesare (Cornelia), Rodelinda (Bertarido), Serse (Serse), y Theodora (Didymus). Fue precisamente con Giulio Cesare el título con que inauguró en 1966 la New York City Opera del Lincoln Center. Trabajó con directorazos como John Barbirolli, Thomas Beecham, Eugene Ormandy, Herbert von Karajan, Fritz Reiner, Malcolm Sargent, Leonard Bernstein, George Szell, Josef Krips, Ferenc Fricsay, Bernard Haitink, Seiji Ozawa o James Levine, entre otros.
Fue en esta época, a finales de los años sesenta, cuando inició su gran carrera operística. Triunfó en todos los repertorios: el alemán, con personajes wagnerianos tan exigentes como Erda, Brangäne y Fricka; el francés con la Charlotte de Werther y Cendrillon, ambas de Massenet, y Diálogo de carmelitas, de Poulenc.
Cantó, por supuesto, los característicos personajes verdianos de contralto, como la Ulrica de Un ballo in maschera o la Mistress Quickly de Falstaff, e, incluso, en plena madurez, incursionó en el repertorio ruso, del que cantó el papel de La condesa, de La dama de picas, en la Scala de Milán en 1990, con 60 años. Un año antes, se presentó en el papel de Klitämnestra, de la Elektra de Strauss en la Ópera de Pittsburgh. Con no menor éxito abordó el personaje también straussiano de Herodias, de Salome.
Tampoco descuidó la música contemporánea. Famosa es su interpretación del personaje de Madame Flora en La Medium de Menotti, en un registro de 1977 publicado en 2006 en soporte DVD, y que protagonizó junto a Shawna Farrell, Stello Calagias y Gino Quilico. Su sensibilidad por el repertorio del siglo se manifiesta también en los muchos encargos que comisionó a muy diversos compositores, tanto canadienses como de otros países. Entre ellos, Murray Schafer y Harry Freedmann.
Siempre mantuvo activa su vocación por la enseñanza, que alimentó desde muy pronto. En 1966, con 33 años, asume la cátedra de canto del Conservatorio de Filadelfia, que luego compagina con numerosos cursos y clases magistrales. En 1957 se casó con el violinista y director de orquesta canadiense Eugene Kash (1912-2004), del que se divorció en 1971, tras haber tenido cinco hijos con él. Desde hace algunos años padecía demencia senil. Con su muerte, desaparece una de las últimas y verdaderas representantes del siglo de oro de la voz.
Maureen Forrester, contralto, nació en Montreal, Canadá, el 25 de julio de 1930, y falleció en Toronto, el miércoles, 16 de junio de 2010, con 79 años.
Justo Romero
SU MAJESTAD LA REINA PRESIDIRÁ LA CLAUSURA DEL CURSO ACADÉMICO DE LA ESCUELA SUPERIOR DE MÚSICA REINA SOFÍA
16-06-2010
SU MAJESTAD LA REINA PRESIDIRÁ LA CLAUSURA DEL CURSO ACADÉMICO DE LA ESCUELA SUPERIOR DE MÚSICA REINA SOFÍA
Y HARÁ ENTREGA DEL PREMIO YEHUDI MENUHIN A ZUBIN MEHTA
Madrid, 16 de junio de 2010.- Mañana jueves 17 de junio a las 19.00 horas tendrá lugar en el Patio de los Borbones del Palacio Real de El Pardo el acto de clausura del curso académico de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. El acto comenzará con la intervención de Paloma O’Shea, Directora de la Escuela, y, a continuación, Su Majestad la Reina entregará los Diplomas a los alumnos más destacados en el curso 2009-2010, que ahora se clausura. Posteriormente Doña Sofía hará entrega de las Medallas de la Escuela a don Luis Alberto Salazar-Simpson, presidente de Fundación Orange, y a don Emilio Novo, Managing Director de Canon España, ambos Patronos de este centro de alta formación y mecenas de Música de Cámara.
Tras la lectura del acta de concesión del VIII Premio Yehudi Menuhin a la Integración de las Artes y la Educación, Su Majestad entregará este galardón al director musical Zubin Mehta, Con este premio, la Fundación Albéniz reconoce la labor de todos aquellos artistas, compositores e intérpretes de cualquier país que son a la vez maestros sobresalientes y destacan en el ejercicio de la formación musical de las nuevas generaciones. En ediciones anteriores han recibido el Premio las siguientes personalidades: José Antonio Abreu (2008), Claudio Abbado (2006), Alicia de Larrocha (2004), Sir Colin Davis (2002), Carlo María Giulini (2001), Piero Farulli (2000) y Alfredo Kraus (1999).
El acto académico concluirá con un concierto en el que el maestro Gilbert Varga dirigirá a la Orquesta de Cámara Sony de la Escuela, que estará acompañada por el pianista David Kadouch, con un programa que comprende la obertura de "Los esclavos felices” de Arriaga y el “Concierto para piano y orquesta núm. 2 en re menor, op. 40” de Mendelssohn-Bartholdy”.
Nancy Fabiola Herrera ha sido elegida para recibir el Plácido Domingo Award
16-06-2010
La mezzosoprano canaria Nancy Fabiola Herrera ha sido elegida para recibir el Plácido Domingo Award que cada año otorga la Ópera de Los Ángeles. En las últimas ediciones han ganado el prestigioso galardón cantantes de la talla de Juan Diego Flórez o Rolando Villazón. El premio se lo entregará el mismo Plácido Domingo el 9 de octubre en una cena de gala que se celebrará después de una de las funciones de Il Postino -ópera del compositor mexicano Daniel Catán que Herrera estrenará el próximo mes de septiembre en la Ópera de Los Angeles junto al tenor madrileño- organizada por Hispanics for L.A. Opera, una asociación que apoya a la compañía estadounidense.
La entrega de este premio culminará la agenda de un año intenso en el que la cantante española habrá visitado escenarios como los del Teatro de la Zarzuela de Madrid (Doña Francisquita), el Teatro Campoamor de Oviedo (Doña Francisquita), el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria (L’Italiana in Algeri), el Teatro Cervantes de Málaga (Carmen), la televisión pública eslovaca en Bratislava o el Musikverein de Viena.
La cantante saltó a la primera plana de la actividad operística gracias a su debut en el Metropolitan Opera House de Nueva York como protagonista de la ópera Carmen en la producción de Franco Zeffirelli (2005), consolidando dicha fama en la Opéra National de Paris (2007) -como Giulietta de Les contes d’Hoffmann junto a Rolando Villazón- en la Royal Opera House de Londres, donde regresó en marzo de 2008 para encarnar a la gitana de Bizet obteniendo otro importante éxito de público y crítica, y en Verona en verano de 2009 inaugurando el prestigioso festival italiano de nuevo como protagonista de Carmen y bajo la batuta de Domingo.
Además de su participación en Il Postino a finales de este año, en el primer semestre de 2011 debutará en Alemania con Carmen en el Semperoper de Dresden, ofrecerá recitales en Valencia, Gran Canaria, Tenerife y Bilbao y volverá al Metropolitan neoyorkino con Rigoletto.
RUEDA DE PRENSA CON ZUBIN MEHTA, PREMIO YEHUDI MENUHIN A LA INTEGRACION DE LAS ARTES Y LA EDUCACION 2010
16-06-2010
RUEDA DE PRENSA CON ZUBIN MEHTA, PREMIO YEHUDI MENUHIN A LA INTEGRACION DE LAS ARTES Y LA EDUCACION 2010
Madrid, 15 de junio de 2010.- El próximo jueves 17 de junio a las 13.00 horas en el Hotel Ritz, tendrá lugar un encuentro de los medios con el Maestro Zubin Mehta, galardonado con el VIII Premio Yehudi Menuhin a la Integración de las Artes y la Educación. Al acto asistirá también Paloma O’Shea, directora de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y Presidenta de la Fundación Albéniz. El Premio será entregado por Su Majestad la Reina ese mismo día a las 19.00 horas en el Palacio Real de El Pardo durante la ceremonia de clausura del curso académico de la Escuela Superior de Música Reina Sofía.
El Premio Yehudi Menuhin fue instituido por la Escuela Reina Sofía en 1999 con el fin de premiar y reconocer la labor de los músicos excepcionales de cualquier país que, además de haber logrado la excelencia artística sobre los escenarios, hayan destacado por contribuir a la formación de los jóvenes. En ediciones anteriores han recibido el Premio las siguientes personalidades: José Antonio Abreu (2008), Claudio Abbado (2006), Alicia de Larrocha (2004), Sir Colin Davis (2002), Carlo María Giulini (2001), Piero Farulli (2000) y Alfredo Kraus (1999). El Premio está dotado con 18.000 euros y una medalla del escultor Julio López Hernández.
La Junta de Patronos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía otorgó el premio el pasado 20 de abril, durante su reunión anual, a partir de las candidaturas presentadas por la Comisión de Selección reunida en junio de 2009.
La Comunidad de Madrid presenta el homenaje a Luis De Pablo y Cristóbal Halffter por sus 80 cumpleaños
15-06-2010
La Comunidad de Madrid presenta el homenaje a Luis De Pablo y Cristóbal Halffter por sus 80 cumpleaños
14,jun,10
La Comunidad de Madrid presenta el próximo jueves, 17 de junio, a las 10:45, el homenaje que ha organizado a los maestros Luis De Pablo y Cristóbal Halffter en sus 80 cumpleaños. En la presentación estarán presentes los dos compositores.
Para la ocasión, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), en colaboración con los Teatros del Canal, ha elaborado dos repertorios con obras de los maestros, que se ofrecerán en la Sala Verde, los días 19 y 20 de junio.
Los homenajes a De Pablo y Halffter incluyen teatro musical, ópera y un concierto, además de una exposición, en el hall de la Sala Verde, sobre la vida y trayectoria de los dos compositores.
Fallece Fuat Mansurov, “El Karajan Ruso”
14-06-2010
Fuat Mansurov “El Karajan Ruso”
Director emérito del Teatro Bolshoi de Moscú
10 de enero del 1928 (Almá-Atá, Kazajstán) - 12 de junio de 2010 (Moscú, Rusia)
El funeral tendrá lugar el viernes 18 de junio en el Teatro Bolshoi de Moscú
Con una amplia trayectoria artística, Fuat Mansurov, conocido como el “Karajan ruso”, fue considerado uno de los actuales directores rusos de mayor renombre. Desde los años 70, fue director titular del famoso Teatro Bolshoi de Moscú cargo que compatibilizaba con la Orquesta Nacional de Tatarstán y sus giras por las principales salas de Europa, entre las que destacan salas españolas como el Teatro Real , Gran Teatro del Liceu, Palau de la Música , Auditorio Nacional de Música, L’Auditori de Barcelona…
Presentación del Proyecto "Viva Europa"
10-06-2010
PRESS RELEASE
VIVA EUROPA 2010 JUNE 18TH is a mid-year cultural flagship event of the 2010 European Year for Combating Poverty and Social Exclusion.
The aim of the project is to share a European experience offering a live transmission on large screens -from Palau de les Arts Reina Sofia in Valencia (on June 18th 2010 at 20 h local time in Valencia, Spain; GMT+2)- of Georges Bizet´s opera Carmen, to all European cities involved in the project.
This European cultural summer evening -in a festive intergenerational and intercultural atmosphere- will make possible to "think Europe” and to “feel Europe", promoting the European conviction through a relevant cultural form of expression with a profound European tradition such as opera, by simultaneously offering a live transmission to be enjoyed by European citizens.
VIVA EUROPA JUNE 18TH takes place under the patronage of Mr. László Andor, European Commisioner for Employment, Social Affairs and Inclusion.
The role of Carmen has its origins in European literature and music and has become a universal myth. Bizet´s opera transmits all these emotions portrayed in European traditional culture.
Palau de les Arts Reina Sofía (Valencia) and Maggio Musicale Firorentino (Firenze) are responsible for this production as part of the III Festival del Mediterráneo. A cast of the highest artistic standards, led by Elina Garanca and Marcelo Alvarez, participate in this production of Carmen, directed by the prestigious filmmaker Carlos Saura, together with the magnificent Orquestra de la Comunitat Valenciana conducted by maestro Zubin Mehta and the Cor de la Generalitat Valenciana.
Alessandro, HWV 21 de G.F. Handel con Eduardo López Banzo y Al Ayre Español
09-06-2010
Eduardo López Banzo y Al Ayre Español pondrán el broche de oro de la 88 edición del prestigioso festival Händel Festspiele de Halle, ciudad natal del maestro alemán, llevando al foso una de sus óperas menos conocidas: Alessandro. En esta ocasión, el festival ha encargado al director aragonés, uno de los máximos especialistas europeos de la obra de haendeliana, la recuperación de una de las óperas menos interpretadas de este compositor. A lo largo de los últimos meses López Banzo ha investigado en diversos archivos europeos y ha recuperado los manuscritos originales de las dos ediciones que Handel hizo de esta ópera.
Alessandro fue compuesta en 1726 y estrenada en el King’s Theatre de Londres. No obstante, el director zaragozano interpretará con su formación la segunda, definitiva y menos conocida versión que Handel llevó al escenario en 1732. Basada en el libreto en italiano de Paolo Rolli, la historia está basada en torno al viaje de Alejandro Magno a la India, donde conoce a Poro, el rey de esa región. Acompañarán a López Banzo Delphine Galou como Alessandro, Marita Sølberg como Rossane, Ann Helen Moen como Lisaura, Antonio Giovannini como Tassile y Andreas Wolf como Clito.
Por primera vez, una orquesta de instrumentos históricos española aborda esta desconocida ópera de Handel, y de nuevo confirma el carácter pionero del Maestro zaragozano. La excelencia artística y la calidad interpretativa que Eduardo López Banzo ha dado a su proyecto Al Ayre Español a lo largo de los más de veinte años de historia han resultado ser una punta de lanza en el campo de la interpretación historicista en España, que ha sido reconocida en los, festivales, teatros y auditorios más importantes de Europa y equiparable a sus colegas de la escena internacional.
Homenaje a Luis de Pablo y Cristóbal Halffter
09-06-2010
Dos óperas de Luis de Pablo, Very Gentle con dirección de escena de la coreógrafa Blanca Li y Un parque con libreto del japonés Yukio Mishima
El homenaje a Cristóbal Halffter recoge dos piezas que combinan electrónica en vivo con instrumentos tradicionales de orquesta
La ORCAM interpreta sus repertorios, que se complementan con una gran exposición de libros, partituras originales, discos y fotos familiares
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid acogen los próximos días 19 y 20 de junio un doble homenaje de la Comunidad de Madrid a través de su Orquesta y Coro (ORCAM) a dos de los grandes compositores españoles con motivo de su 80º cumpleaños. Se trata de Luis de Pablo (Bilbao, 28 enero de 1930) y Cristóbal Halffter (Madrid, 24 de marzo de 1930), cuya vida y obra se repasará simbólicamente mediante varias propuestas musicales y una exposición retrospectiva, y que tendrán lugar durante todo un fin de semana en los Teatros del Canal. Precio único de 15 euros
Por una parte, el doble reconocimiento ofrecerá sendos repertorios compuestos por ambos maestros, consistentes en dos piezas escénicas ópera y un concierto. Estarán interpretados por la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM). Luis de Pablo / Cristóbal Halffter. Ochenta años por el mundo es el nombre que da título a este homenaje que la Comunidad de Madrid rinde en vida a ambos compositores y que incluye, además, una gran muestra retrospectiva sobre sus vidas y obras, creada expresamente para esta celebración de aniversarios y comisariada por la reconocida autoridad en el campo musical José Luis Téllez. La entrada, al precio único de 15 euros, permitirá disfrutar durante una tarde entera de la triple propuesta (ópera, concierto y exposición), que tendrá lugar en la Sala Verde, pasillos y zonas comunes de los Teatros del Canal.
Interpretados por la ORCAM, con dirección del maestro Encinar
Los solistas y el coro de la ORCAM, bajo la dirección musical del maestro Encinar, serán los encargados de interpretar ambos programas, que contienen piezas de los dos maestros y que se ofrecerán en doble sesión cada uno de los dos días (Luis de Pablo, a las 19.00 horas, Cristóbal Halffter, a las 21.30 horas).
La parte musical del homenaje a Luis de Pablo consistirá en un programa de ópera que incluye las piezas Very Gentle y Un parque. Su puesta en escena cuenta con la dirección escénica de la gran coreógrafa Blanca Li. Very gentle es una pieza de teatro musical fechada en 1974, perteneciente al largo período de estancia en América del compositor, durante el que ejerció la docencia en universidades de Estados Unidos y Canadá. Cuenta con la soprano Celia Alcedo y el contratenor Daviz Azurza. La segunda parte del repertorio es Un parque, una ópera de cámara compuesta entre 2004 y 2005, cuenta con Celia Alcedo, el tenor Eduardo Santamaría y el contratenor José Hernández Pastor. Ambas obras están ligadas al mundo oriental, Un parque cuenta con libreto del escritor japonés Yukio Mishima.
Por su parte, el homenaje a Cristóbal Halffter recogerá otras dos piezas: Variaciones sobre la resonancia de un grito y Llanto por las víctimas de la violencia. Se trata de dos páginas en las que el uso de la electrónica en vivo se ha simultaneado al de los instrumentos tradicionales de orquesta, obras que por sus especiales características y necesidades técnicas han sido de las menos frecuentadas en los programas de conciertos. La dirección de sonido, realización e interpretación electrónica correrá a cargo de Gregorio García Karman. Las dos obras fueron compuestas respectivamente en 1977 y 1971,y resultaron fruto de la relación del compositor con el estudio Heinrich Strobel de Freiburg (Alemania), de cuyo Estudio de Música Electrónica fue director artístico.
Una muestra profesional y personal comisariada por José Luis Téllez
El homenaje a los compositores se complementa con una exposición en el vestíbulo de la Sala Verde, que servirá para repasar sus trayectorias profesionales y personales. Se trata de una selección de recuerdos de entre los que destacan sus discursos de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando o una selección de hasta 22 partituras originales (11 por cada uno de ellos) y reproducciones de sus obras.
Además, la muestra recoge antiguas ediciones de libros, como una de la Divina Comedia (propiedad de Luis de Pablo) o dedicatorias como la del poeta Vicente Aleixandre. La selección de piezas, realizada expresamente para el aniversario y repartida de forma equitativa entre ambos maestros, cuenta con discos monográficos, programas de mano o fotografías familiares de los estrenos. El comisario de la muestra es el escritor musical y cinematográfico José Luis Téllez, colaborador de prensa diaria y revistas como Scherzo, y asesor del Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares. Además de locutor de radio, profesor y conferenciante, ha sido presentador musical en Televisión Española.
El homenaje cuenta con la colaboración del Archivo Sonoro de Radio Nacional de España (RNE) y el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (CDMC). Para la muestra se ha contado también con el apoyo del Teatro Real, el Teatro de La Zarzuela, la Fundación Paul Sacher de Basilea o la editorial Suvini Zerboni de Milán, así como con los archivos personales de los compositores y el comisario de la exposición.
Repertorio
- Luis de Pablo Very gentle
Un parque
Solistas de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
Voces Very gentle: Celia Alcedo, soprano. David Azurza, contratenor
Voces Un parque: Eduardo Santamaría, tenor. Celia Alcedo, soprano. José Hernández Pastor, contratenor.
Dirección de escena: Blanca Li / Dirección musical: José Ramón Encinar / Creación de video: Charles Carcopino / Diseño espacio y vestuario: Paco Delgado / Diseño de iluminación: Jacques Chatelet / Intérpretes: Solistas de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
- Cristobal Halffter Variaciones sobre la resonancia de un grito
Planto por las víctimas de la violencia
Solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid
Dirección: Jose Ramón Encinar / Dirección de sonido, realización electrónica e intérprete de electrónica: Gregorio García Karman
DESCUENTOS: Carnet Joven Euro <26 y Mayores de 65, 25% de descuento todos los días. Grupos a partir de 20 personas.
VENTA LOCALIDADES: www.entradas.com / 902 488 488 de lunes a domingo de 10.00 a 23.00 h. / Taquillas de los Teatros del Canal/ Red de cajeros de Caja Madrid
Obituario de Giuseppe Taddei
06-06-2010
Giuseppe Taddei, barítono
Falstaff ha muerto un poco...
El Mundo 6/06/2010
Tenía 94 años y casi nadie imaginaba que aún estuviera vivo ¡y pensando en cantar! El barítono Giuseppe Taddei falleció el pasado miércoles en Roma tras una vida de éxitos en los mejores escenarios operísticos. Su sana longevidad ha sido equiparable a su irreductible vitalidad artística, lo que le permitió coincidir con cantantes de una generación privilegiada, como Maria Callas, Renata Tebaldi, Franco Corelli, Mario del Monaco o Boris Christoff... Colaboró también con las batutas más fundamentales de la segunda mitad del siglo XX, como Arturo Toscanini, Olivero De Fabritiis, Carlo Maria Giullini, Herbert von Karajan o Zubin Mehta.
Crecido en la convulsa Italia de entre guerras, el joven Giuseppe demostró desde su niñez una fuerte inclinación por la música y el canto. Superada la infancia y la educación musical más básica, se presentó a un concurso de jóvenes valores de la lírica organizado por el Teatro de la Ópera de Roma, que ganó por unanimidad. El maestro Tullio Serafin, reconocido descubridor de talentos anónimos, era por entonces director artístico de dicho teatro y no dudó un instante en hacerle debutar en el Lohengrin wagneriano, con el papel del Heraldo. Dirigía el gran Toscanini. Curioso principio para un cantante que desarrollaría una carrera de impronta eminentemente italiana que, no obstante, conocería la gloria también con títulos wagnerianos y de los repertorios ruso y francés.
Los inicios teatrales del joven barítono se vieron truncados bruscamente por el inicio de la II Guerra Mundial. Llamado a filas, estuvo destinado en el frente de los Balcanes hasta 1943, fecha en la que fue hecho prisionero por las tropas alemanas. El hambre, el frío y la humillación del cautiverio en un campo de concentración borraron las esperanzas del barítono-soldado, que sublimaba entonces su desgracia cantando de barracón en barracón para sus compañeros de desdicha.
Esta indomable necesidad de expresión artística favoreció que alguno de sus carceleros alemanes, y amantes de la lírica, mejoraran sus condiciones de vida. Al fin y de algún modo renacía la esperanza. Al terminar la guerra, ya libre de su cautiverio nazi, entra a formar parte del Special Service americano, con el que ofrece una serie de espectáculos para las tropas aliadas. De esa forma llega a la ciudad de Salzburgo donde conoce a un joven Von Karajan; se inicia entonces entre ambos una relación de por vida que se tradujo en una colaboración fértil y contínua. Tanto en los escenarios como en los estudios de grabación.
La voz baritonal de Taddei ya era por entonces de una rara belleza tímbrica, que en alguna ocasión se llegó a comparar con el sonido aterciopelado del violonchelo. Densa y pastosa en el centro, la pericia de su técnica y el empeño en el dibujo de la palabra cantada fueron desde el principio su santo y seña. Sus coetáneos Tito Gobbi y Gino Becchi quizá le hicieron algo de sombra, pero su dicción nítida e inconfundible capacidad para el fraseo le acercaron, sin embargo, a otros artistas geniales de su tiempo, como Sesto Bruscantini y el también recientemente desaparecido Wladimiro Ganzarolli, con los que compartía repertorio y estilo.
Barítono nobile en sus inicios y por tanto ligado al canto verdiano, el verismo y Mozart fueron, no obstante, dos pilares de su carrera. Don Giovanni y Leporello, los dos Fígaros (Las Bodas de Fígaro de Mozart y El barbero de Sevilla de Rossini), casi todos los padres verdianos, los retorcidos Scarpia y Iago, el simple Papageno o el pícaro Schicchi le consagraron; el Holandés errante, el Hans Sachs, el Guillermo Tell o el Eugenio Oneguin atestiguan su curiosidad musical.
Pero es el Falstaff verdiano el personaje que sin duda marcó su carrera. Dos registros fonográficos dan perfecta fe de ello: uno de 1950 en directo retransmitido por la RAI, otro en grabación de estudio en 1980, bajo la dirección de Von Karajan. La entidad musical y longevidad vocal de Giuseppe Taddei queda reflejada en la evocación de los grandes logros apreciables en su segunda grabación, y que ya estaban presentes 30 años antes, sin casi ninguno de sus defectos.
En 1985 debutó en el Metropolitan de Nueva York con este mismo papel, cuando ya había cumplido 69 años y aún el 27 de febrero de 1993, con 76 junios en su alma, ofreció una legendaria interpretación del rol en un concierto en el Palau de la Música de Valencia. Pero no fue sólo Valencia la ciudad española que disfrutó de su arte. Ya en 1954 se presentó en el Tatro Lope de Vega de Sevilla en funciones de La Traviata y El Trovador. El Liceu de Barcelona, el Campoamor de Oviedo, Madrid, Bilbao y otras muchas capitales españolas recuerdan aún el canto inolvidable de este verdadero artistazo lírico, considerado por muchos como el Falstaff de referencia. Tras la desaparición hace unos meses de Waldimiro Ganzarolli, la muerte de Giuseppe Taddei hace que, irremediablemente, Falstaff muera un poco. Un poco más.
Giuseppe Taddei, nació en Génova (Italia), el 26 de junio de 1916, y falleció el miércoles, 2 de junio de 2010, en su domicilio de Roma; el próximo 26 de junio habría cumplido 94 años. JUSTO ROMERO
Temporada 2010/2011 de la ORCAM
31-05-2010
Comunicado de prensa
En la temporada 2010-2011, la ORCAM ofrecerá 21 conciertos
sinfónicos en el Auditorio Nacional y los Teatros del Canal
La Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
estrenará nueve obras de compositores españoles
· La promoción de intérpretes y compositores nacionales, de
ayer y hoy, continúa siendo una de las prioridades de la entidad
· Consolidar una temporada sinfónica en los Teatros del
Canal de la Comunidad es otro de los objetivos primordiales
31,may,10.- El Gobierno regional presentó hoy la nueva temporada de la
Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), que comenzará
en el mes de octubre, manteniendo el criterio de programación que esta
formación viene desarrollando desde hace diez años: el apoyo
incondicional a la música española, la de ahora y la de otras épocas.
Así lo explicaron el director general de Promoción Cultural, Amado
Giménez, quien recordó que esta formación se encuentra celebrando su
25 aniversario en este 2010; y el director titular de la ORCAM, José
Ramón Encinar.
Está previsto el estreno de, al menos, siete obras de compositores
españoles. Junto a esto, aumenta la dedicación a las grandes obras del
repertorio sinfónico-coral, destacando El martirio de San Sebastián, de
Debussy, Stabat mater, de Szymanowski, o Christhus, de Liszt, por lo
infrecuente de su presencia en los escenarios, y obras de gran
importancia, como la Sinfonía de los Salmos, de Stravinsky y el Réquiem
de Mozart. Esto supondrá una presencia más frecuente del coro en los
conciertos de esta temporada, y aumenta también la presencia de coros
invitados, ya que, con ocasión de la celebración del XXV aniversario de la
ORCAM a lo largo de 2010 se ha invitado al Coro Nacional de España, al
Coro de Radiotelevisión Española o al Coro de Cambra del Palau de la
Música Catalana.
Se mantendrá el nivel de actividad desarrollado en la temporada
2009-2010, que concluirá con un total de 235 actuaciones públicas, y
continuará con el desarrollo de ciclos propios, en el Auditorio Nacional de
Música, con 14 conciertos, y en los Teatros del Canal de la Comunidad de
Madrid, con 7 actuaciones; así como la participación en programas
organizados por otras entidades, como el Centro de Difusión de Música
Contemporánea (CDMC) o la Fundación Canal, entre otros.
Hay que destacar también que la Orquesta ha sido invitada a
participar de nuevo en el festival MITO, que se celebra en septiembre en
Turín y Milán. Allí ofrecerá cuatro conciertos, con dos programas
diferentes: uno dedicado a Falla y otro de música contemporánea.
Además, participará en el Festival de Música de Canarias, con dos
conciertos en Las Palmas de Gran Canaria y uno en Santa Cruz de
Tenerife, con la presencia de Orquesta y Coro.
Novedades en la programación 2010-2011
La ORCAM seguirá contando con la participación de directores y solistas
de reconocido prestigio. Algunos de ellos destacan por su importante
trayectoria, como es el caso de Michel Corboz, Gunther Neuhold, Jean-
Jacques Kantorow o Alberto Zedda. Otros, por su proyección futura, como
Christoph König o los jóvenes españoles José Miguel Pérez Sierra, Miguel
Romea y Eduardo Portal.
La principal novedad que la ORCAM incorpora en su temporada
2010-2011 es la creación de programas totalmente independientes, en
lugar de establecer una o dos líneas maestras en torno a las que articular
la programación. A partir de octubre, cada programa estará construido en
torno a una idea, que en algunos casos será puramente musical y en otros
estará relacionada con diferentes ámbitos de la cultura. Para el desarrollo
de estas ideas, la ORCAM recurrirá a intelectuales de primer orden,
musicólogos muchos de ellos, pero también personas significativas en
diferentes áreas de la cultura, con particular vinculación a la música.
Así, por ejemplo, forma parte de la programación de la próxima
temporada una sesión dedicada a la voz en el mundo sinfónico, con obras
de Rachmaninov, un estreno absoluto de Agustín González Acilu y la
Cuarta Sinfonía de Mahler. Otro de los programas parte de un ensayo
sobre la transformación del comunismo, desde los últimos magnicidios en
la Rusia zarista hasta los supervivientes del Eurocomunismo, y su relación
con las artes y está formado por obras de Glinka, Tschaikovsky, Saint
Saëns y un estreno de Emilio Aragón, sobre texto de José Saramago. Una
tercera sesión ilustrará un estudio acerca del ayer y el hoy de la tonalidad,
acercándonos a músicas de Ildebrando Pizzetti, Claudio Prieto, Richard
Strauss e Igor Stravinsky.
Además, dentro de ésta programación, se estrenarán dos obras que
son encargo del Gobierno regional. La primera se presentará en mayo de
2011 en Teatro Auditorio Nacional y se trata de Numerum Nominis, de
Pilar Jurado. El otro encargo, que se estrenará en los Teatros del Canal de
la Comunidad de Madrid, en el mes de junio, es Senderos de la risa, de
Juan José Eslava.
Temporada sinfónica en los Teatros del Canal
La consolidación de una temporada sinfónica en los Teatros del Canal de
la Comunidad de Madrid es otro de los objetivos primordiales en la
temporada que hoy se presentó. En este espacio regional estarán
presentes todos los principios básicos de la ORCAM y los oratorios serán
pieza fundamental de la actividad, al igual que en la temporada del
Auditorio Nacional.
Esta es una demostración inmejorable de que Orquesta y Coro son
una sola entidad al servicio de la mejor música. En este caso se trata de
Un Requiem Aleman, de Brahms y Mesias, de Haendel.
Obituarios de Suso Mariategui por Justo Romero, Juan Angel Vela del Campo y Jerónimo Saavedra
23-05-2010
Suso Mariátegui
Tenor incomparable
EL MUNDO, 22 de mayo
“¿Quééééé?”. El mazazo llega a las 12.15 horas de ayer. Por teléfono, claro: “Esta madrugada ha muerto Suso Mariátegui. Le ha dado un infarto y ha caído fulminado”. Suso Mariátegui, tenor de cultura y sabiduría, ha fallecido en Madrid, y acaba de llegar de Nueva York, donde había impartido unas clases magistrales que resultaron, según sus siempre positivas palabras, “fabulosas”. Apuesto, guapo, coqueto y bien cuidado, estaba en forma y nada hacía imaginar el desenlace. Suso vivió con profusión, regusto y alegría. Enamorado de la música y de todo.
Es difícil asumir la desaparición de un personaje tan pletórico, tan cargado de aliento, vitalidad e ilusión como él. Cantante de gusto exquisito y completa formación, Mariátegui no era sólo uno de los más refinados liederistas españoles, sino un artista de convicción, que alternó escenario con algunos de los mejores intérpretes o directores, desde Alfredo Kraus a Renata Scotto o Riccardo Muti.
Dominador de un extenso repertorio que se extiende desde Monteverdi y los renacentistas hasta Luis de Pablo, Ulrich Küchl o los Beatles, Suso Mariátegui era una personalidad incomparable. No sólo en el teatro, donde interpretó innumerables papeles, sino también en la vida privada. A diferencia de tantos colegas, él era un artista cuyo genio no se limitaba al tiempo minutado del escenario. Su personalidad contagiosa y amena invadía siempre su entorno. Resultaba imposible estar cerca de él y no impregnarse de su humor inteligente, de sus agudos comentarios, de su conversación nutrida en una vida rica en vivencias y experiencias. Una personalidad única que persistirá en la memoria de cuantos quedamos seducidos por esa manera de ser absoluta y exenta de límites.
Hijo predilecto de Las Palmas desde 2003 y colaborador de Alfredo Kraus en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid entre 1994 hasta 1999, Suso Mariátegui nació en la capital grancanaria, donde curso estudios de derecho y canto. Pronto colgó la toga para decantarse exclusivamente por la carrera artística. Se marchó a Viena para estudiar en la Hochschule für Musik. En la capital austriaca trabajó durante tres intensos años con el legendario mozartiano Anton Dermota, de quien heredó el misterio del Lied y se sumergió en la melodía romántica alemana y en el repertorio de Mozart, el cual se ajustaba como anillo al dedo a sus cualidades vocales y artísticas.
Su debú internacional se produjo en 1971, en Salzburgo, con el Tamino de La flauta mágica. Su voz de tenor ligero sirvió roles de muy diverso signo: desde los comprometidos papeles belcantistas de Donizetti, al Don Ottavio de Mozart o muchos de los personajes operísticos de Britten. Su cuidada dicción, la pulida expresión que emanaba de su formación humanística y la sensibilidad sin reservas le permitieron afrontar con similar éxito el repertorio del oratorio, de concierto y el espinoso mundo del recital. En la memoria quedan sus interpretaciones de Pulcinella de Stravinski, Carmina Burana de Orff o el Evangelista de La Pasión según San Juan de Bach. Su selecta discografía comprende Lieder y canciones de Beethoven, Mendelssohn-Bartholdy, Schubert, Schumann y Hugo Wolf, entre otros compositores.
En 1971 debutó el papel de Ernesto en Don Pasquale de Donizetti en el Schönbrunn Schlosstheater de Viena. Dos años después, en 1973, se presentó en el Festival de Wexford (Irlanda) con otro título donizzetiano: L´ajo nell´imbarazzo. También ha interpretado con éxito papeles de óperas tan diversas como Borís Godunov, El caballero de la rosa o Ariadne auf Naxos.
En el ámbito de la música contemporánea, en 1983 participó en el estreno de la ópera Kiu, de Luis de Pablo. También protagonizó la primera audición de Tamar, ópera de Ulrich Küchl que presentó en Austria, en el Karintischer Sommer, en 1990. Mariátegui cantó, entre otros espacios, en la Sala Verdi de Milán, Ópera de Teherán, Brucknerhaus de Linz, Festival de Viena, Festival de Wexford, Festival de Ópera de Madrid, Festival de Música de Canarias, Liceu de Barcelona, Teatro São Carlos de Lisboa, Teatro Nacional de Caracas, Auditorio Nacional de Madrid, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Palau de la Música de Valencia o Palau de la Música de Barcelona.
En 2005 alcanzó un señalado éxito de crítica y público con el recital "De Monteverdi a los Beatles o una Historia del Canto", que estrenó en el Festival de Música de Canarias, y presentó en otras capitales españolas y extranjeras. Entre los directores con los que colaboró figuran Leonard Bernstein, Rafael Frühbeck de Burgos, Miguel Ángel Gómez Martínez, Riccardo Muti, Antoni Ros Marbà y Julius Rudel. Pero su mejor universo expresivo lo encontró en el mundo íntimo del Lied, que interpretó y grabó siempre acompañado por su esposo, el pianista Edelmiro Arnaltes. Justo Romero
Suso Mariategui, nació en Las Palmas de Gran Canaria, en 1941, y falleció ayer viernes, 21 de mayo, en Madrid, con 69 años.
Obituario de Suso Mariategui
El País 22/05/2010
El tenor más querido por Alfredo Kraus admiraba el lied alemán. No era un contrasentido. Hasta cierto punto el belcantismo de Bellini o Rossini y el universo poético de Schubert y Mendelssohn tienen muchas afinidades. Suso Mariátegui falleció ayer de un infarto en Madrid. La muerte, una vez más, ha hecho una de las suyas. Pero las imágenes de Suso permanecen con una fuerza inusitada. Pronunciando hasta las últimas consonantes del alemán. Recreándose en ellas, enfatizándolas, amándolas. Las consonantes y las vocales. Su pasión por el lenguaje le llevó al mundo del lied, a La bella molinera, de Schubert.
Había nacido en Gran Canaria, como Kraus, su maestro y amigo. Allí estudió Derecho y Música. En Viena perfeccionó el canto y la interpretación. Tuvo de consejero y maestro durante varios años a Anton Dermota, una leyenda del canto. En 1971 debutó en una ópera representada. Fue en Salzburgo, en el personaje de Tamino, de La flauta mágica, de Mozart.
A lo largo de muchos años alternó Donizetti con Schumann. Y sentó cátedra en dos papeles aparentemente menores: El Inocente de Boris Godunov, de Musorgski, y el cantante italiano de El caballero de la rosa, de Strauss. Hace cinco años escribí una reseña en este periódico de un recital suyo en Los Llanos de Aridane, en la isla de La Palma. Era un recorrido de Monteverdi a los Beatles, con parada y fonda en Pergolesi, Guastavino, Girastera, Fauré, Mozart y Schubert. Había en la sala un público mayoritariamente alemán: receptivo, entendido, entusiasta.
Se había apoderado de Suso un concepto didáctico de la existencia. En los recitales, en las clases, en sus libros. En La jungla de la ópera conseguía ir más allá aún que en sus 106 reflexiones sobre la voz y el canto. En realidad, los dos libros son un compendio de su experiencia profesional, alrededor de temas como la relación entre maestro y alumno, la respiración, las diferencias entre voz hablada y cantada, el arte de comunicar, la afinación, la técnica, los médicos y enfermedades vocales, la humildad del buen cantante, el minuto antes de salir a escena o la visión histórica de una manera de hacer la ópera que mucho me temo que no volverá a repetirse en el futuro.
Vivía con el pianista Edelmiro Arnaltes. Hacían música juntos, compartían el paso de los días. A Suso le gustaba cocinar. A la alemana, preferentemente, con las salchichas acompañadas de una deliciosa kartoffelsalat. Y los dulces, una tentación inevitable. Suso era generoso, divertido, lúcido, dialogador, buena persona.
En la última cena que compartimos, me regaló un DVD de Norma. Paradojas de la vida. Horas después de escuchar esta ópera en el Teatro Real me llegó el mazazo de su fallecimiento. Dudo que vuelva a escuchar esta ópera en mucho tiempo. O quizás sí. Pensando en él. Como un último homenaje de una amistad cortada de raíz. Juan Angel Vela del Campo
Magistral Mariategui
EL PAÍS - Obituarios - 23-05-2010
Había anunciado Suso Mariategui, desde Madrid a su regreso de Nueva York, esa misma noche trágica, que asistiría a la última representación de La italiana en Argel, programada para hoy domingo en el teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria. Con el humor que le caracterizaba, hizo la reserva de dos localidades. Una parada cardíaca truncó los planes. Aún dura el aturdimiento por el impacto de la mala nueva. Y tan mala.
"Esta ciudad te fascina pero también te destruye. Tengo los pies destrozados de tanto caminar", comunicó como con ganas de reencontrarse con su gente de siempre, la gente que ahora ha de acostumbrarse a su ausencia, la que rescatará fotos y vídeos para evocar momentos y actuaciones. Era uno de los invitados habituales en mi casa en cada cita del 25 de diciembre, cuando comentaba con sabiduría alguna representación reciente o avanzaba sus intenciones para el año siguiente. Y cuando bromeaba, con agudeza e ironía, en torno a alguna personalidad, su infancia claretiana, un hecho religioso o un titular periodístico.
Ahí, en esas reuniones, con ese peculiar sentido del humor, se contrastaba su perfil de grande. Le conocía desde la época universitaria. Estaba claro que preferiría la música al derecho. Si entonces ya era gracioso y divertido, tales perfiles se acentuaron con el paso de los años en los que fue labrando con esmero la materialización de su sueño profesional: realizarse como artista, como cantante entre Madrid y Viena. Le avalaba la figura legendaria de Anton Dermota.
José Luis Gallardo lo definió atinadamente en cierta ocasión: "Entonación, estilo, justeza, expresividad y sentimiento -por decirlo casi todo, en fin- nos revelan un Suso Mariategui -mejor: lo confirman- como el gran tenor mozartiano que estábamos esperando". Ese juicio crítico es revelador. Es fácil decir ahora que ponía el alma en cada interpretación pero quienes le seguimos sabíamos de su sensibilidad para superarse y para perfeccionar desde aquel debut en Salzburgo, en 1971, con La flauta mágica. En sucesivas apariciones en el Festival de Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, cantando Elisir d'amore, Don Giovanni, Otello o Don Pasquale, contrastamos el crecimiento del tenor, de un Mariategui lúcido y sólido, admirable, con su singular manera de frasear hasta la sublimación del dominio técnico.
Trabajó con otro grande, con Alfredo Kraus, en la Escuela Reina Sofía de Madrid. Su Majestad habrá lamentado también la pérdida de Suso, un notable estudioso de la obra de Mozart. La nobleza de Mariategui era también ponderada en sus clases magistrales y por los numerosos cantantes líricos españoles a los que guió. Una persona excelente, que se hizo querer, y que por tantas cualidades fue nombrado hijo predilecto de su ciudad natal en el año 2003.
En épocas recientes, buscó una tercera residencia en La Puntilla, una maravillosa casa desde la que seguir disfrutando, a su manera, con los suyos, del arte y de la música, arrullados por el oleaje de la playa Las Canteras. Allí, con su humor y su desenfado, con ese agudo sentido de la ironía, siguió dando clases magistrales mientras obsequiaba su amistad y su nobleza.
Lástima que esa escena no se repita ahora, tras La italiana en Argel. Le echaremos mucho de menos. Jerónimo Saavedra
Giulietta Simionato, mezzosoprano Inteligencia, voz y corazón
10-05-2010
Giulietta Simionato, mezzosoprano
Inteligencia, voz y corazón
JUSTO ROMERO. EL MUNDO 9 DE MAYO
La legendaria mezzosoprano italiana Giulietta Simionato falleció el pasado miércoles en su domicilio romano de la Via Trigoria cuando sólo le faltaban siete días para ser centenaria. Nacida en la pequeña localidad de Forlì el 12 de mayo de 1910, la Simionato compartió escena con los más grandes artistas líricos del siglo XX. La Callas, del Monaco, Tebaldi, Corelli, Gobbi, Karajan, Serafin o Visconti fueron algunos de los cantantes y directores que trabajaron junto a esta artista irrepetible, consolidada desde hace muchas décadas entre las mejores y más admiradas personalidades de la historia de la ópera.
Artista seria y rigurosa, dotada de facultades naturales ciertamente excepcionales, su dilatada carrera profesional se inició en 1935, cuando se presentó en el Maggio Musicale Fiorentino con el estreno absoluto de Orseolo de Pizzetti, y se prolongó hasta el 1 de febrero de 1966, en que cantó el papel de Servilia en La Clemenza di Tito de Mozart en la Piccola Scala de Milán. Contaba sólo 56 años, pero optó por su vida privada en detrimento de los melómanos que la aclamaban a ambos lados del Atlántico. Suya es la conocida frase de “prefiero ser yo la que abandone a mí público a que sea éste el que me dé la espalda a mí”, en clara alusión a tantos colegas suyos que siguieron exprimiendo la envejecida voz hasta casi la ancianidad.
Su carrera fue una sucesión continua de crecimiento artístico y vocal. 31 años de éxitos ininterrumpidos marcados siempre por el rigor y la seriedad. La Simionato era artista integral, dotada de una voz privilegiada que se distinguía por su intrínseca belleza y la generosa tesitura, que le permitía alcanzar con facilidad el Do sobreagudo, algo realmente inusual en una voz de mezzosoprano capaz, al mismo tiempo, de moverse con soltura en los registros más graves.
Su técnica impecable, el control de la emisión y la excepcional ductilidad melódica fueron también cualidades de esta cantante afable, que trabajó y compartió repartos con similar empatía junto a las dos sopranos más destacadas y famosas de su época: Maria Callas y Renata Tebaldi. Como ellas, andaba sobrada de las cualidades que consideraba esenciales de una cantante, y que sintetizaba en tres palabras: “Inteligencia, voz y corazón”.
La armoniosa combinación entre facultades naturales, técnica sofisticada y sensibilidad expresiva fue origen y secreto de su inmenso, versátil y muy diversificado repertorio, que abarcó óperas italianas, francesas y alemanas. Dio vida en escena a los más característicos roles de su vocalidad. Amneris, Azucena, Carmen, Leonora, Dorabella, Cenerentola, Rosina, Carmen, Eboli, Santuzza, Dalila, Charlotte o Adalgisa son algunos de los muchos personajes que marcaron su carrera.
Con ellos triunfó en los más importantes escenarios. Scala de Milán, Ópera de Viena, Liceu de Barcelona, Metropolitan de Nueva York, Covent Garden… Cantó, grabó y compartió afinidades y estrellato con lo mejor de su tiempo. Íntima amiga de la Callas, coprotagonizó con ellas grabaciones operísticas que hoy son referencias insuperables. Entre ellas, Norma y Aida procedentes del Bellas Artes de México o la Anna Bolena de Donizetti representada y grabada en la Scala de Milán en 1957, con histórica puesta en escena de Lucchino Visconti.
Profesional absoluta, su carrera comenzó cuando en 1933 ganó el concurso de Florencia. Allí la escuchó el maestro Tullio Serafin, quien la recomendó en La Scala. Su fama se acrecentó tras interpretar en 1945 el papel de Dorabella (Così fan tutte de Mozart) en Génova y París. Sin embargo su consagración absoluta llegó como Mignon, de Ambroise Thomas, que cantó en Génova bajo la dirección de Gianandrea Gavazzeni. El éxito se repitió en La Scala en 1947, donde había debutado ya en febrero de 1936, pero sin encarnar hasta entonces papeles relevantes, dado su distanciamiento manifiesto del partido fascista.
Hasta el último momento de su carrera mantuvo en lo más alto el listón de exigencia. De su profesionalidad a prueba de todo, da cuenta el hecho de que en sus tres décadas de carrera únicamente cancelara tres actuaciones. Cuando se retiró, lo quiso hacer sin alharacas, con el modesto personaje de Servilia, de La Clemenza di Tito: ''Soy demasiado emocional para soportar un retiro oficial, por eso quiero hacerlo con el papel más pequeño; entré al mundo de la ópera por la puerta chica y así me quiero ir''.
Se equivocó. La Simionatto se ha marchado de la vida por la puerta más grande: la que los aficionados reservan a sus más queridos artistas; una puerta que permanecerá siempre abierta gracias a la memoria imborrable de sus actuaciones y grabaciones. Giulietta Simionato habita ya en el Olimpo imaginario donde reside la interminable leyenda que es la ópera.
Giulietta Simionatto, mezzosoprano, nació en Forlì, Emilia-Romana, Italia, el 12 de mayo de 1910, y falleció en Roma, el miércoles, 5 de mayo de 2010, con 99 años.
Justo Romero
ELEGIDOS LOS GANADORES DEL VII CONCURSO INTERNACIONAL DE PIANO “ANTÓN GARCÍA ABRIL”
09-05-2010
ELEGIDOS LOS GANADORES DEL VII CONCURSO INTERNACIONAL DE PIANO “ANTÓN GARCÍA ABRIL”
■ Hye –Youn Park, procedente de Seúl (Corea del Sur) de 32 años, ganadora de la categoría para jóvenes pianistas menores de 36 años, recibirá un premio de 7.000 € y la edición de un CD con su paso por las distintas fases del concurso
■ El joven de 19 años Ting-Chia Hsu, procedente de Taiwan, ha ganado en la categoría para menores de 21 años
■ El portugués Nuno Miguel do Vale Ventura de Sousa de 13 años, se ha alzado con el primer premio de la categoría C, para estudiantes menores de 15 años
■ Por último, Cristian Morales Herrero, madrileño de 10 años, se ha alzado con el primer premio de la categoría D
TERUEL, 9 de mayo de 2010
La VII Edición del Concurso Internacional de Piano “Antón García Abril”, se ha clausurado esta tarde con la entrega de premios a los ganadores en una gala celebrada en la Iglesia de San Pedro, en la ciudad de Teruel.
Hye-Youn Park, procedente de Seúl (Corea del Sur) y de 32 años, se ha alzado con el primer premio de la categoría A para jóvenes pianistas menores de 36 años. Park, además de recibir 7.000 €, tendrá la edición de un CD con su paso por las distintas fases del concierto. En la fase final del concurso la pianista ha interpretado Variaciones sobre un tema de Chopin Op.22 de S. Rachmaninoff y Variaciones Líricas de A. García Abril.
En esta misma categoría, el segundo puesto ha sido para Jin Woo Park, de 28 años y procedente también de Seúl (Corea del Sur), que consigue así un premio de 3.500 €. El tercer puesto ha recaído ex aequo en Marina de Lucas García (22 años y procedente de Madrid) y Giuliano Adorno (31 años y procedente de Dispensa, Italia), con un premio de 1.500 euros.
Por su parte en la categoría B para pianistas menores de 21 años el ganador del certamen, con 1.500 euros de premio, ha sido para Ting-Chia Hsu, de 19 años y procedente de Taiwan. Este joven pianista ha interpretado con maestría en la fase final del concurso Sonata nº5 Op.53 de Alexander Scriabin y el Tres Baladillas de Antón García Abril.
El segundo puesto de esta categoría dotado con 1.000 euros ha recaído en el pequeño, Antonio Hiroaki Bernaldo de Quirós Yazama de 12 años y procedente de Ávila. El tercer premio con 600 euros ha sido para Javier Manuel Obrer Valero de 18 años y procedente de Alfara del Patriarca (Valencia).
En la categoría C, para jóvenes estudiantes de piano que no superen los 15 años, el ganador ha sido el portugués Nuno Miguel do Vale Ventura de Sousa de 13 años que ha logrado un premio de 600 €. En la fase final, Nuno ha presentado Rondó Capriccioso de F. Mendelssohn y Lontananzas de Antón García Abril.
El segundo premio, dotado con 360 euros ha recaído en Harrison Herman, (14 años y procedente de Madrid). Por último, el tercer puesto ha sido para Alejandra Martínez Cabrera (14 años y procedente de Collado Mediano, Madrid), que ha conseguido así un premio de 240 euros.
En el primer año de la categoría D, para estudiantes que no superaran los 12 años, el primer premio, dotado con 240 euros ha recaído en Cristian Morales Herrero, de 10 años y procedente de Madrid. El segundo premio de 180 euros ha sido para Laura María Ábalos Lozano de 11 años y procedente de Málaga y el tercero, con 120 euros de dotación se ha entregado a María Linares Molero, de 8 años y procedente de Valencia.
Por último, la ganadora del premio especial “Ciudad de Teruel” (para aquellos que han acreditado haber nacido o tener su residencia habitual en Aragón), con una dotación de 1.000 euros, es María Lourdes Cabrero Seral (Huesca, 31 años), que ha participado en la categoría A del concurso.
El Festival de San Lorenzo de El Escorial calienta motores
08-05-2010
El Festival de San Lorenzo de El Escorial calienta motores
07/05/2010 DOCE NOTAS
Última actualización 07/05/2010@15:14:43 GMT+1
El Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial acogerá el Festival de Verano, organizado por la Comunidad de Madrid, una cita multidisciplinar de música, lírica y danza, que se desarrollará entre los días 26 de junio y 6 de agosto.
Este verano el festival presenta una variada oferta en torno a la música en concierto, tanto sinfónico como de piano solista, la danza y la lírica, representada con zarzuela y ópera. El festival también dedicará un ciclo a los más pequeños, con ofertas de danza, música y teatro especialmente para las familias.
El ciclo de conciertos prestará especial interés a los diferentes aniversarios de grandes compositores, tanto nacionales como internacionales: Albéniz, Schumann y Chopin son algunos de los protagonistas.
La inauguración del festival tendrá lugar el 26 de junio con el popular Carmina Burana, interpretado por la Orquesta y Coro de Radiotelevisión Española con su director titular Adrian Leaper.
La siguiente cita será el 9 de julio con el Concierto de Piano de Schumann, a cargo de la Orquesta de Castilla y León, dirigida por Eduardo Portal y con Enrique Pérez de Guzmán como solista. El 1 de agosto, la Orquesta de Cadaqués presentará una especial revisión de una de las obras maestras de Manuel de Falla, El Amor Brujo, con Estrella Morente como solista para la ocasión.
El piano solista es el otro gran protagonista del ciclo de conciertos. El primero de estos conciertos tendrá lugar el 16 de julio con la integral de la Iberia de Albéniz, interpretada por Gustavo Díaz Jerez. El día 17 de julio, de nuevo el piano, en este caso con un monográfico Chopin interpretado por el pianista Melvyn Tan.
Para finalizar el ciclo de conciertos de piano, el 23 de julio, Juan Carlos Garvayo presentará el ciclo Una Iberia para Albéniz, compendio de 12 encargos realizados por FEstclasica a sendos compositores españoles en los que se rinde un homenaje a Albéniz y a su obra magna, la Iberia.
También destacar el concierto de música de cámara, bajo el signo de Concierto Matisse protagonizado por Beatrice Newman, Lorna Davis y Kathryn Price como violonchelos,; Rafael Rivas, Charles Matthews, Julián Jimeno y Ana Guijarro al piano; Mariana Tudorova al violín y Josep Puchades a la viola con piezas de Taverner, Vivaldi, Gaos, Debussy, Turina o Consuelo Diez.
Grandes títulos de la ópera
La música escénica, que siempre ha tenido una especial presencia en este festival, viene representada en dos títulos operísticos fundamentales: Tosca de Puccini y Don Gil de Alcalá del Maestro Penella.
Tosca se presentará los días 22 y 24 de julio, dirigida por John Dew y bajo la batuta del maestro Miguel Ángel Gómez Martínez. Se trata de una produccion escénica de Karlsruhe que contará con solistas como Elisabette Matos o Joan Pons. Los días 30 y 31 de julio se podrá ver Don Gil de Alcalá, que contará con la batuta del maestro Miguel Roa y un joven elenco español en el que destacan, en los roles protagonistas, Jorge Elías, María Rey-Joly, Cesar Sanmartín y María José Suárez.
Ballets internacionales y grandes figuras de la danza española
La danza, en sus más variados estilos, tiene un especial protagonismo en esta edición del Festival de Verano. Desde montajes clásicos de títulos universales como El Corsario del Miami Ballet, que tendrá lugar los días 2 y 3 de agosto, a las compañías españolas, que tienen una importante representación, comenzando por el Ballet Victor Ullate Comunidad de Madrid que nos traerá Wonderland, su último montaje, los días 7 y 8 de julio. El 5 de agosto será el turno de la danza flamenca vista por el maestro Carlos Saura. Y no faltarán los nuevos valores, que tendrán su representación el 6 de agosto en Cayetana, su pasión, el primer montaje dirigido y protagonizado por Cecilia Gómez, bailarina del ballet de Sara Baras, acerca de la Duquesa de Alba.
Para los más pequeños y sus familias el Festival ha reservado los domingos por la mañana, una sesión especialmente pensada para que el público infantil descubra nuevos mundos de fantasía a través de la música y la danza.
Llegan los festivales de primavera
29-04-2010
Llegan los festivales de primavera
DIVERDI, Mayo
Con la primavera llamando y a insistentemente a la puerta, el abanico de festivales programados en España sigue siendo amplio y tentador, aunque haya signos incuestionables de recortes presupuestarios. Además de los festivales gallegos ya muy establecidos, el noroeste se beneficiará esta año de los esfuerzos del Festival Xacobeo Classics por traer a la región a prominentes figuras internacionales que no habían venido nunca (aunque también incluye artistas locales en su programación). Así, Cecilia Bartoli (Santado, 14 de abril), Lang Lang (Santiago, 12 de mayo) y Anne-Sophie Mutter (La Coruña, 18 de junio) harán todos ellos sus debuts regionales, Otros conciertos destacados de los 30 programados a lo largo del año incluyen a John Eliot Gardiner al frente de sus conjuntos en una Misa en si menor de Bach (La Coruña, 4 de mayo) y a la ascendente estrella Vasily Petrenko (en la foto) dirigiendo a la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra en una representación del Parsifal de Wagner con Nikolai Schukoff y Violeta Urmana (Santiago, 24 de agosto). Con un programa restringido este año, el Festival Mozart de la Coruña (8 de mayo a 27 de junio) apuesta decididamente por la calidad, como demuestra por ejemplo el montaje de Don Giovanni mozartiano a cargo de Pier Luigi Pizzi ( dirige Victor Pablo Pérez e Eldebrando d’Arcngfelo asume el rol principal). Otras atracciones incluyen el Suenño de una noche de verano de Mendelssohn (con la Orquesta Sinfónica de Galicia) y una versión en concierto del pastiche haendeliano Giove in Argo (con Alan Curtis e Il Complexo Barocco). La OSG inaugurará el festival (en colaboración con Xacobeo Clasics) con el Réquiem de Verdi. El gerente de la OSG, Oriol Ponsa, asumirá la dirección del Festival Mozart tras la finalización del contrato de Paolo Pinamonti este mismo año. El Festival de Música antigua de Barcelona (19 de abril a 10 de mayo) presenta este año una serie de conciertos ciertamente interesantes, más allá de la actuación de Accordone (véase la entrevista con Marco Beasley)y de diversas actividades didácticas. John Potter (previamente miembro del Hilliard Ensemble) interpreta canciones de Dowland con el acompañamiento al laúd de Ariel Abramonwitz (5 de mayo). La colombina vuelve al Cancionero de la Sablonara (4 de mayo). Stile antico también apuesta por la música española, con la Missa Pro defunctis de Victoria (28 de abril), mientras que otro grupo de reciente formación, La Caravaggia, que dirige el cornestista Lluis Coll, presenta un programa titulado Merula, su la centra amorosa (8 de mayo). En el concierto de clausura de Festival, la Orquesta Barroca de Sevilla ofrecerá la Save regina de Domenico Scalatti con Carlos Mena como solista (10 de mayo)
La crítica alemana premia el DVD de “La Valkiria” del Palau de les Arts
24-04-2010
La crítica alemana premia el DVD de “La Valkiria” del Palau de les Arts
La asociación de críticos discográficos alemanes ha distinguido la grabación de La Valkiria, llevada a cabo en el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia por el sello C Major, que distribuye en España Ferysa, como uno de los mejores DVDs del primer trimestre de 2010.
El Premio de la crítica discográfica alemana (Preis der deutschen Schallplattenkritik) se constituyó en 1963 con el compromiso de reconocer las grabaciones de mayor excelencia. Un total de 114 críticos y periodistas de países de habla alemana componen el jurado que otorga este galardón.
La edición en DVD y Blue Ray de la tetralogía El anillo del Nibelungo del Palau de les Arts ha gozado de una excelente acogida en los mercados internacionales. Las principales publicaciones internacionales han elogiado la puesta en escena de La Fura dels Baus, el trabajo de Zubin Mehta al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, así como el gran nivel artístico del reparto.
La revista inglesa BBC Music Magazine ha calificado el montaje de La Fura dels Baus como “el más apasionante visto hasta la fecha”, para añadir que se trata del “mejor Anillo en vídeo en mucho tiempo”. El diario alemán Abendzeitung es mucho más contundente al titular su crítica: “Bayreuth puede hacer las maletas”, en referencia al Festival de la ciudad alemana que impulsó y promovió el propio Richard Wagner. La publicación austriaca Der neue Merker señala la coproducción del Palau de les Arts Reina Sofía y el Maggio Musicale Fiorentino como una producción “imprescindible” en cualquier videoteca. La revista española RITMO definió a esta Tetralogía como “Un Anillo de Luz mediterránea”, elogiando en todo momento la novedosa puesta en escena y su magnífica dirección musical y escénica.
Versalles recupera el esplendor de la Opera Royal
15-03-2010
Versalles recupera el esplendor de la Opera Royal
El mítico 'templo' que abrió Luis XV rinde culto a Molière y Lully
RUBÉN AMÓN / París. EL MUNDO
Corresponsal
La ópera ya alojaba en su estado embrionario la aspiración del espectáculo total. Sirva como ejemplo el caso de la comedia de El burgués gentilhombre (1670), escrita a iniciativa de Molière «para divertimento de Luis XIV» y convertida por la música de Lully en punto de encuentro de la danza y la lírica francesas.
Se estrenó en Chambord delante de su majestad y ha regresado ahora al templo versallesco de la Opera Royal, que fue la más importante de Europa hasta la apertura del Palais Garnier (1875) y que ha recuperado su aspecto original como en un viaje en el tiempo. Incluida la maquinaria de madera, el color azulado de los terciopelos y el oropel de los palcos.
Se han necesitado tres años de trabajo y han hecho falta 13 millones de euros. No sólo para adecentar aquella bombonera que Luis XV inauguró en 1770 para celebrar el matrimonio del futuro Luis XVI. También para despojarla de las injerencias arquitectónicas.
Las hubo traumáticas a finales del siglo XIX y las hubo lamentables en 1957, cuando el ministro Malraux quiso «modernizar el teatro». La exhaustiva restauración acometida en tiempos del monarca Sarkozy le ha devuelto los méritos concebidos por el arquitecto Ange-Jacques Gabriel entre el difunto barroco y el naciente clasicismo.
Fue inaugurada la Opera Royal exactamente un siglo después de estrenarse El burgués gentilhombre, aunque el espectáculo de Molière y Lully parece concebido para el teatro que soñó Luis XIV y que sólo sus herederos pudieron disfrutar.
Llama la atención la vigencia de la obra, como sorprende la admirable recreación de Benjamin Lazar (dirección escénica), Vicent Dumestre (batuta) y Cécile Roussat (coreografía). Todos ellos son los artífices de un espectáculo intenso, audaz, trepidante, que compagina admirablemente el esmero filológico con la trastienda de la dramaturgia contemporánea.
Se trataba de reconstruir El burgués gentilhombre. Interpretarlo con el francés que se hablaba en tiempos de Molière. Ejecutar la música con los instrumentos originales. Hipotizar una coreografía que podría danzar el Rey Sol delante de los súbditos. El escrúpulo explica incluso que los actores, los cantantes y los bailarines nunca pierdan de vista la relación frontal con la platea. Ocurría así en la moda de 1670. Y sucede así en marzo de 2010, aunque la conciencia patrimonial y la lealtad al espíritu de la época no contradicen la implicación de los espectadores.
Unos y otros parecen conscientes de encontrarse en una suerte de ceremonia de iniciación. Tanto por el espacio sugestivo de la Opera Royal como por que el templo se yergue en Versalles y se accede a él atravesando la suntuosa residencia regia.
Dentro aguarda un escenario en penumbra. Benjamin Lazar se resiste a emplear cualquier recurso eléctrico, así que la lumbre de las velas redunda en el misterio teatral de Molière. Se consumen a medida que avanza el espectáculo, aunque el mérito de la dramaturgia y de la interpretación musical consiste en olvidarse de los relojes.
Está previsto que El burgués gentilhombre de Lazar, Dumestre y Roussat se estrene en los madrileños Teatros del Canal el año que viene. Pero no será lo mismo.
Rubén Amón
Recital solidario de Cantarero y Raimondi
11-03-2010
Recital solidario de Cantarero y Raimondi
BEATRIZ PULIDO. EL MUNDO
Más de tres décadas les separan, pero qué bien se amoldan sus voces sobre el escenario. Él, bajo barítono, ella, soprano ligera. Son dos de los cantantes más reconocidos y aplaudidos del panorama lírico. Mariola Cantarero (1978) y Ruggero Raimondi (1941) ya habían coincidido sobre el mismo escenario operístico. Ocurrió, por ejemplo, en el Falstaff, de Verdi, en 2007 e, incluso, interpretando alguno de los temas que se pudieron escuchar ayer dentro del recital, como el dúo de Adina y Dulcamara de la ópera L'Elisir d'Amore, de Donizetti. Algo que sucedía en el Teatro Real en la temporada 2005-2006.
Volvían a hacerlo ayer sobre las tablas del Auditorio Nacional, acompañados al piano por Patricia Barton, en un recital solidario.
El programa fue una exquisita combinación de momentos estelares de la lírica. En la primera parte, más seria, se vivieron instantes dramáticos, como aquella desgarradora melancolía que exhaló el dolorido y despechado Don Carlo, al que Raimondi hizo descender a los infiernos del sufrimiento y que despertó una gran ovación del respetable. Sería sólo la primera de tantas. Cantarero le dio la réplica más tarde haciendo de campesina rechazada en un fragmento de La sonámbula de Bellini.
Y entre infidelidades y desamores, como de Don Rui Gómez en la ópera de Verdi, Ernani o provocaciones como los de Musetta a su antiguo amor en La Boheme, de Puccini se pasó volando la primera parte.
Del drama a la comedia
La pareja también se maneja extraordinariamente bien en la comedia, como demostraron en el dúo de L'Elixir d'amore que protagonizaron en el ecuador del recital. Raimondi dio buena cuenta de su sentido del humor en los interludios dirigiéndose varias veces al respetable.
En la segunda parte hubo tiempo para la zarzuela que se coló con gusto en el repertorio. Se interpretaron piezas de La tabernera del puerto, de Pablo Sorozábal, La tempranica o El Barbero de Sevilla, de Gerónimo Jiménez, intercaladas con canciones italianas que interpretó Raimondi, de Francesco Paolo Tosti o de Cesare Andres Bixio.
La buena noticia fue la buena entrada que se consiguió en el Auditorio, porque el dinero recaudado irá a parar a un proyecto de Prodis, que consiste en la construcción de un centro ocupacional para 180 jóvenes con discapacidad intelectual en Vicálvaro. El Ayuntamiento les cedió un terreno en el año 2009 y ese mismo año comenzaron las obras que está sufragando por completo la fundación y que terminarán en diciembre de este mismo año.
Un DVD captura a Joaquín Achúcarro con la Sinfónica de Londres y Colin Davis
10-03-2010
«Disfruto con Michael Jackson y la 'bossa nova'»
Un DVD captura a Joaquín Achúcarro con la Sinfónica de Londres y Colin Davis
E MUNDO, 10/03
FRANCISCO CHACÓN / Madrid
«El pasado 6 de febrero estuve actuando en Forth Worth (Texas), de ahí a Trieste y a Milán, de ahí a Sydney, de ahí a...». Joaquín Achúcarro vive, a sus 77 años, inmerso en el non-stop arquetípico de los grandes maestros de la música clásica y de la ópera. Y el mayor pianista español vivo no tiene ninguna intención de rebajar su ritmo transoceánico.
Profesor desde hace 20 años en la Universidad Metodista de Dallas (donde concentra sus clases durante una semana de forma periódica), el intérprete bilbaíno puede presumir de que el mismísimo Zubin Mehta haya dicho sobre él: «Esta clase de sonido se la he oído solamente a Rubinstein». O de que sir Simon Rattle manifestara: «Existe con Achúcarro algo muy especial; hay muy pocos músicos en el mundo capaces de sacar esa sonoridad al piano».
Son sólo dos de las opiniones (como también las de Montserrat Caballé y Plácido Domingo) que aparecen en el documental 50 years on, que complementa el DVD Achúcarro. Brahms Piano Concerto Nº 2, recién editado por Opus Arte en colaboración con la Fundación BBVA. Una grabación de lujo en la que actúa junto a la Sinfónica de Londres bajo la dirección de sir Colin Davis.
Y no se trata de una actuación más en su larguísima carrera. Porque se cumplen 50 años de aquella histórica velada con la misma orquesta en el Royal Albert Hall, un punto de inflexión que marcó el arranque de su proyección internacional.
«Es, para mí, un DVD muy especial, que cierra un círculo de cinco décadas», dice emocionado antes de diagnosticar: «La música clásica tiene que vencer la reticencia de la gente joven». Queda claro que ampliar su público, y especialmente acercarse a las nuevas generaciones, sigue siendo el gran reto pendiente. Dicho, además, por un insospechado admirador de Michael Jackson: «Menudo genio, disfruto mucho con Michael Jackson. Y también con los Beatles, con la bossa nova, con el flamenco».
¿Cuáles son sus auditorios favoritos? Achúcarro no duda: «El Carnegie Hall de Nueva York, la Ópera de Sydney, el Teatro Colón de Buenos Aires, la sede de la Filarmónica de Berlín, el Dorothy Chandler Pavillion de Los Ángeles, la sala Pleyel de París y, cómo no, el Royal Albert Hall londinense».
Joaquín Achúcarro interpretará obras de Ravel, Chopin y Albéniz el próximo día 17 en Madrid (Auditorio Nacional), mientras que recalará dos días después en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Granada con el Concierto para piano y orquesta Nº 3, de Beethoven. Será la antesala para su enésima gira por Estados Unidos, donde abordará Rapsodia, de Paganini.
Eso sí, después de tanto viaje, al final «Bilbao siempre será mi casa». Y allí estará mañana mismo, para apoyar la reinauguración del Teatro Campos Elíseos, ubicado muy cerca de la Sociedad Filarmónica, donde Achúcarro empezó.
Ruggero Raimondi y Mariola Cantarero cantan hoy a beneficio de la Fundación Prodis
10-03-2010
Cuando el 'bel canto' es comprometido
Ruggero Raimondi y Mariola Cantarero cantan hoy a beneficio de la Fundación Prodis
EL MUNDO, 10 de marzo
I. IBARRA / D. PRIETO / Madrid
El compromiso del barítono italiano Ruggero Raimondi, una de las voces más importantes de los últimos años, viene del corazón. Y con tal fuerza, que ha logrado que la joven -y muy aplaudida- soprano Mariola Cantarero y la pianista Patricia Barton se unan al recital lírico extraordinario que dará esta tarde en el Auditorio Nacional de Madrid a beneficio de la Fundación Prodis. El objetivo es ayudar a la construcción de un centro ocupacional en Vicálvaro para 180 jóvenes con discapacidad intelectual.
En un encuentro con este periódico, Raimondi comentó que lo que pretenden él y sus compañeras de cartel es entregar un repertorio que puedan disfrutar los 2.400 asistentes al Auditorio Nacional de Música, «sin necesidad de que sean expertos» en la lírica. Así, están incluidos en el programa temas como el aria de Felipe II Ella giammai m'amó, de la ópera Don Carlo, o el aria de Amina de la ópera La Sonnambula Ah! Non credea mirarti, de Vincenzo Bellini, en la voz de Cantarero. Interpretarán también conocidas piezas de La Boheme, Don Giovanni y composiciones de Verdi.
Para la segunda parte están reservadas canciones de salón de finales del siglo XIX, como las dos canciones italianas A Vucchella y Mia sposa sará la mia Bandiera, de Francesco Paolo Tosti, a la voz de Ruggero Raimondi, seguida por aria de la zarzuela La Tempranica, de Gerónimo Giménez, titulada La Tarántula, interpretada por Cantarero.
Para Ruggero Raimondi, ayudar a la Fundación Prodis con un segundo concierto (el primero fue en 2009) es permitir, que al igual que su hijo con síndrome de Down, existan otras personas con discapacidad intelectual «que sean capaces de ser independientes» para vivir e incluso trabajar, formando parte de la sociedad.
La presidenta de la Fundación Prodis, Soledad Herreros de Tejada, agradeció a Raimondi su disposición, aunque el barítono italiano, dijo que el agradecimiento era para el trabajo que realizan en la institución.
Por su parte, Mariola Cantarero destacó que se ha embarcado en el proyecto movida por la «amistad y el cariño mutuo» que se profesan ella y el barítono italiano. «Soy la primera que me apunto a todo tipo de propuestas de este tipo. Cada uno hace lo que puede en la medida de lo que cree que puede aportar. En mi caso, no me cuesta ningún trabajo, porque es también una excusa para que pasemos un buen rato entre amigos y para que se dé a conocer la maravillosa labor de la Fundación Prodis».
Las obras del centro ocupacional terminarán para diciembre de 2010, lo que les permitirá a las personas con discapacidad intelectual tener trabajo y formación toda la vida. El costo de obra será de 5.300.000 euros.
García, profeta en su tierra
08-03-2010
García, profeta en su tierra
ABC, 6 marzo
Ópera: “L’isola disabitata” de Manuel García. Intérpretes: Carmen Romeu, Marifé Nogales, Jesús Álvarez, César San Martín. Director de escena: Emilio Sagi. Escenografía: Daniel Bianco. Vestuario: Pepa Ojanguren. Iluminación: Albert Faura. Director musical y pianista: Rubén Fernández Aguirre. Coproducción del Teatro Arriaga de Bilbao y el Teatro de la Maestranza. Lugar: Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza. Fecha: 04/03/2010.
CARLOS TARÍN
El Maestranza, que empezó dudando de la valía de su paisano, lo ha terminado adoptando como su gran principal. Y esta vez era la sala que lleva su nombre la que acogía no una producción propia, sino del Arriaga bilbaíno, capitaneada nada menos que por Emilio Sagi, toda una garantía de inteligencia y buen hacer, lo que viniendo de una dirección de escena operística es un calificativo inalcanzable. Blanco para personajes y sillas apiladas (rocas tan inertes como las sillas de un guardamuebles) frente a un azul intenso para la esperanzada arena. El movimiento de los personajes y el aprovechamiento escenográfico quedó bien aprovechado por los excelentes cantantes. Romeu tiene una voz poderosa (que sobresale más en una acústica pequeña y seca), es diestra en coloraturas y se mueve con ágil naturalidad entre los escollos belcantistas, mientras Nogales alcanza sus notas más graves como mezzo hasta algunas ciertamente agudas; ambas se mueven en un timbre afín, cual si de verdad fuesen hermanas. En los hombres fue distinto. El tenor Álvarez tuvo una entrada enormemente destemplada, sobre un registro de tenor lírico-ligero de escaso volumen –aunque suficiente para la sala-; pero contrastaba con el hercúleo de San Martín, muy joven, que una vez redondeado será un barítono extraordinario. Démosle tiempo. En el piano estuvo soberbio Fernández Aguirre, tanto como en la cuidada dirección musical. Pero sobre todo por la manera tan fiel de devolvernos al compositor sevillano, más cerca del Mozart del “Così” –planteamiento moral, personajes- que de Rossini, con algunos momentos musicales excelsos, tanto en sus melodías como en el cuidado acompañamiento. Bienvenido a la tierra, Monsieur García.
Andrés Moreno Me
Re-estreno de THE MAGIC OPAL
25-02-2010
Re-estreno de THE MAGIC OPAL
Se completa el ciclo de óperas de Albéniz
Como colofón a las celebraciones en honor al compositor Isaac Albéniz por su doble
efemérides (2009: centenario de su fallecimiento / 2010: 150 años de su nacimiento) se
recupera la partitura de la ópera cómica THE MAGIC OPAL, la única obra lírica del compositor
que todavía aún no se había escuchado en la época moderna.
La ópera cómica en dos actos fue escrita, con libreto en inglés, para un teatro de
Londres, durante la estancia de Albéniz en dicha ciudad y demuestra el genio del compositor
para desenvolverse en el género cómico con una chispeante partitura que ambienta
fantásticamente una historia donde se cuentan las peripecias de piratas, anillos mágicos y
enredos amorosos que termina con el necesario “happy end”.
La música, que se encontraba en forma de manuscritos y dispersa en diversos legados
ha sido reconstruida y puesta a limpio por el musicólogo Borja Mariño que ha preparado la
edición crítica de la partitura completa que permitirá que pueda interpretarse de nuevo.
Tras 115 años, el mismo día que bajó el telón en Londres, un 27 de febrero, volverá a
subir al escenario The Magic Opal, la ópera de Albéniz que se presentará en versión de
concierto en el Auditorio Nacional de Madrid con la Orquesta Sinfónica de Chamartín y la
dirección musical de su titular: Silvia Sanz.
The Magic Opal, ópera cómica en dos actos
Música de Isaac Albéniz / Letra de Arthur Law
Versión de concierto. Edición crítica de Borja Mariño
Estefanía Perdomo, José Ferrero, Javier Franco, César San Martín, Marina Pardo
Pablo López, Anna Tonna, Francisco Corujo, Mercedes Arcuri, Damián del Castillo
Coro Talía / Orquesta Sinfónica de Chamartín
Directora musical: Silvia Sanz
27 de febrero de 2010; 22:30h
Auditorio Nacional de Música de Madrid
Sale a la venta el DVD de Fanciulla del West con Daniela Dessì y Fabio Armiliato
25-02-2010
Grabado en 2005 en el Festival Puccini de Torre del Lago en Italia, ha salido recientemente a la venta el DVD de La Fanciulla del West, publicado por Arthaus Musik en colaboración con RaiTrade. Los protagonistas de la ópera pucciniana son la soprano Daniela Dessì y el tenor Fabio Armiliato, una de las parejas más consolidadas de la lírica internacional. Ambos cantantes comparten escenario con Lucio Gallo (Jack Rance), Massimo La Guardia (Nick) y Andrea Patucelli (Ashby). La dirección de escena del montaje corrió a cargo del también italiano Ivan Stefanutti, mientras que Alberto Veronesi dirigió musicalmente la obra al mando de la Orchestra Città Lirica.
Considerada por el público y la crítica como una de las parejas artísticas más emblemáticas de los últimos años, el binomio Daniela Dessì/Fabio Armiliato representa hoy en día la esencia viva del repertorio italiano. Herederos directos de la más pura tradición interpretativa de autores como Verdi, Puccini, Mascagni o Giordano, ambos artistas han cantado juntos en casi 300 funciones operísticas, compaginando su actividad en los grandes coliseos con conciertos y recitales por todo el mundo.
Después de debutar la ópera verista en Torre del Lago, Dessì y Armiliato han cantado la Fanciulla del West en Roma y Sevilla. Tras el éxito de dichas representaciones, revistas especializadas como la alemana Das Opernglas definió a los cantantes italianos como “las voces perfectas para Minnie y Dick Johnson”.
Isabel Rey debuta en la zarzuela con Cádiz en el Teatro Cervantes de Málaga
25-02-2010
Tras completar con éxito las funciones y posterior grabación en DVD de la ópera Die Königskinder junto al tenor Jonas Kaufmann, Isabel Rey se encuentra ya en Málaga, donde el 28 de febrero cantará por primera vez una zarzuela completa, Cádiz, con libreto de Javier de Burgos y música de Federico Chueca y Joaquín Valverde. La soprano valenciana había incluido este género en numerosos recitales y conciertos, pero no ha sido hasta ahora que un teatro español, en este caso el Teatro Cervantes, le ha ofrecido la posibilidad de formar parte de un elenco zarzuelístico.
Rey encarnará a Curra junto al Rubio de José Bros, y les acompañarán José Julián Frontal (Don Cleto / Lorenzo), Luis Álvarez (Un ciego), Ana Ibarra (Una negrita / Una mamá) y Luis Pacetti (Un negrito). Lorenzo Ramos llevará la batuta en esta versión de concierto de Cádiz. A continuación, Isabel Rey viajará a Madrid, donde ofrecerá un recital en el XVI Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela.
Omer M. Wellber nuevo director musical de la Orquestra del Palau de les Arts
23-02-2010
Camps recibe a Omer M. Wellber nuevo director musical de la Orquestra del Palau de les Arts Reina Sofía
• El maestro se incorpora como principal director invitado del centro de artes para la temporada 2010-2011. A partir de la temporada 2011-2012 asumirá la titularidad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana hasta 2014.
• Gianandrea Noseda se convertirá en principal director invitado cuando Omer M. Wellber asuma la dirección musical del enclave operístico valenciano.
Valencia (23-2-10).- El President de la Generalitat, Francisco Camps, ha recibido hoy en audiencia al maestro israelí Omer M. Wellber (Beer Sheva, 1981), que se convertirá a partir de la temporada 2011-2012 y hasta la temporada 2013-2014 en el nuevo director musical del Palau de les Arts, tras la finalización del contrato de Lorin Maazel con el centro de artes valenciano.
Durante la temporada 2010-2011 Omer M. Wellber asumirá las funciones de principal director invitado y participará de forma activa en la programación del Palau de les Arts con la dirección de doce funciones de ópera y tres conciertos sinfónicos. En la temporada 2011-2012, el maestro milanés Gianandrea Noseda, que ya estuvo al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el concierto ‘Todos con Haití’, se convertirá en el principal director invitado del Palau de les Arts.
Omer M. Wellber ha recordado que tras su reunión con el President Camps, le ha comentado un dicho israelí. “En Israel decimos que si alguien no cree en milagros, no es realista. Y hoy he sido testigo de tres. El primero, el President Francisco Camps, el segundo la Intendente Helga Schmidt, y el tercero, el maravilloso Palau de les Arts Reina Sofía y para mí es un orgullo entrar a formar parte de este gran proyecto”.
El maestro Wellber ha elogiado la alta calidad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, de la que ha subrayado su juventud y frescura y su gran capacidad para transmitir un sonido entusiasta.
“Tras ver la interpretación de El anillo del Nibelungo con Zubin Mehta, puedo decir que no hay ninguna orquesta en la actualidad capaz de tocar la música de Wagner de forma tan entusiasta”, ha afirmado Wellber.
La Intendente del Palau de les Arts Reina Sofía ha remarcado que Omer M. Wellber está considerado como uno de los valores de mayor proyección en el panorama musical internacional. En muy poco tiempo ha consolidado una carrera fulgurante y un amplio repertorio italiano, francés, ruso y alemán que le ha llevado a dirigir numerosos estrenos en la Ópera de Israel, además de conciertos sinfónicos en La Fenice de Venecia o Verona, y producciones de Aida e Il trovatore en Padua.
Su reciente éxito con la orquesta titular de la Scala, en unas memorables funciones de Aida en las que la propia formación milanesa le vitoreó en pleno con similar entusiasmo al del público, ha supuesto el espaldarazo definitivo a una de las batutas más emergentes y consolidadas del panorama internacional.
Como anécdota, Helga Schmidt ha apuntado que el propio Plácido Domingo tenía interés en contar con el joven director israelí para la Ópera de Washington.
Las aclamadas actuaciones de Omer M. Wellber en la Staatsoper de Berlín –donde es reiteradamente invitado por Daniel Barenboim– marcan puntos álgidos de una carrera meteórica, que sin embargo se ha forjado serenamente a lo largo de los diversos puestos que ha desempeñado, entre ellos las funciones de director residente de la Ópera de Israel y de la Raanana Symphonette Orchestra. Ha dirigido, además, la Israel Sinfonietta, Orquesta de Cámara de Israel, Sinfónica de Jerusalem, Sinfónica de Haifa, Sinfónica Israelí de Rishon LeZion, así como la Orquesta Filarmónica de Israel.
Durante este rápido pero muy intenso camino, el próximo director musical del Palau de les Arts forjó un sólido repertorio operístico, que incluye más de 19 títulos. También un conocimiento profundo del mundo del canto y de la lírica en general. Su trabajo, en estrecha colaboración con Daniel Barenboim, avala la incontestable calidad y consistencia profesional de quien hoy en día es uno de los directores de orquesta más codiciados por los mejores teatros internacionales.
Entre sus futuros compromisos, destacan la inauguración del prestigioso Festival de Viena de 2012, 2013 y 2014, además de Werther y Tosca en la Scala de Milán, Carmen en la Staatsoper de Berlín y conciertos sinfónicos en Tel Aviv con la Filarmónica de Israel, invitado por el propio Zubin Mehta. En junio 2010 ha sido requerido para sustituir a Riccardo Muti al frente de la orquesta del Maggio Musicale Fiorentino. Helga Schmidt ha avanzado, además, futuras giras y grabaciones del director con la Orquestra de la Comunitat Valenciana.
Galardonado con el premio Riccardo Muti al mejor director joven, empieza a trabajar en 2008 con el Maestro Daniel Barenboim en la Staatsoper de Berlín y en la Scala de Milán. Ese mismo año, la prestigiosa revista Classic Voice lo designa como artista revelación. En 2009, dirige Aida con la formación titular del templo operístico milanés en Tel Aviv, donde cosecha un clamoroso éxito.
Omer M. Wellber atesora, asimismo, una importante trayectoria como compositor y muchas de sus obras han podido escucharse en los auditorios más importantes de su Israel natal.
La primera temporada de Mortier en el Real
13-02-2010
Mortier busca públicos fuera del Real
El director artístico llevará la ópera a la Caja Mágica y a los teatros del Canal - Cinco directores fijos se turnarán al frente de la orquesta cada temporada. El País, 12 de febrero
El sello de Gerard Mortier en el Teatro Real se notará desde el día de su entrada. Reflexión, ambición y provocación son las señas de identidad sobre las que levanta su proyecto estos días. Su gran objetivo: captar nuevos públicos. Éste será uno de los ejes principales de su gestión. Para conseguirlo sacará la ópera del coliseo de la plaza de Oriente. Lo hará en dos ocasiones. Moctezuma viajará a los teatros del Canal al principio de la temporada. Y como colofón, San Francisco de Asís, la niña bonita de Mortier, una de las grandes apuestas de su carrera y uno de los mejores exponentes de su forma de entender este arte, recalará en la Caja Mágica. Veinte mil personas disfrutarán de un montaje espectacular a lo largo de cinco representaciones.
Conquistar nuevos públicos -más jóvenes, más abiertos y más receptivos- y nuevos espacios determinará la medida de su éxito. Mortier llegó a Madrid el pasado otoño dispuesto, como él ha manifestado, a hacer del Real el centro operístico "más interesante" de Europa. Ha empezado a trabajar desde enero en su nuevo cargo -el contrato oficial arrancará en septiembre de este año-. Durante estos meses se esfuerza -con tres horas diarias de clase- en aprender español. Lleva un año en contacto con músicos, escritores o directores de escena; viaja constantemente por España o en metro por Madrid, y se sumerge en la cultura del país. Quiere configurar un proyecto de fuerte identidad latina con un puente tendido hacia América.
La temporada que presentará el próximo mes cuenta a medias con su sello y el de Antonio Moral, el director artístico saliente, que ya había programado una buena parte de los títulos. Comenzará con Eugeni Onegin, de Chaikovski, en un montaje del teatro Bolshoi, que desembarcará en Madrid con su orquesta titular.
Otros títulos son Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, de Kurt Weill, con un montaje de La Fura dels Baus y el debut en la dirección musical en el Real del español Pablo Heras. Este título ha generado ya mucha expectación. Se estrenará en 2010, pero en 2012 viajará a la Ópera de Viena. Su intención es llevarlo a Rusia, país en el que nunca se ha representado esta obra. Mortier pretende con su gestión exportar montajes más que importarlos.
La temporada también incluye Otra vuelta de tuerca, de Benjamin Britten, dirigida por Josep Pons, o el montaje de El caballero de la Rosa, de Richard Strauss, creado por el fallecido Herbert Wernicke, uno de los directores de escena favoritos de Mortier en sus años del Festival de Salzburgo. El neoclasicismo estará presente con Ifigenia en Tauride, de Gluck, dirigido por Thomas Hengelbrock, uno de los nombres que el responsable artístico del Real pretende incorporar asiduamente.
El romanticismo y el verismo tendrán su espacio con Werther (un papel interpretado por José Bros) y Tosca. La ópera de Puccini, compositor con quien Mortier no comulga, sustituirá a Il trittico. Se repondrá el montaje que Núria Espert concibió en 2004. Mozart sí es de los músicos con quien el gestor belga trata de explorar nuevos caminos. Para el nuevo año, Antonio Moral había programado Las bodas de Fígaro, con Víctor Pablo Pérez, y La finta giardiniera, con René Jacobs, en versión concierto. Siguen en el cartel. Aunque en el ánimo de Mortier, y ya en marcha, está gestándose un Così fan tutte que dirigirá el cineasta austriaco Michael Haneke para dentro de dos años.
La ópera más contemporánea será una constante en la nueva etapa. Además de El ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, Otra vuelta de tuerca y El caballero de la rosa, están previstos otros títulos. Uno de ellos, El rey Roger, de Karol Szymanowski, estará dirigido musicalmente por Paul Daniels. Otro es el estreno mundial de La página en blanco, el debut de la compositora Pilar Jurado. Pero donde Mortier echará el resto será con el San Francisco de Asís, de Messiaen. En el aforo de la Caja Mágica caben 4.000 personas, y ahí desplegará su gran apuesta para seducir nuevos públicos con entradas para jóvenes a cinco euros. Mortier programó esta ópera en Salzburgo y en la bienal del Ruhr. Este montaje estrenado en Alemania en 2003 es el que firmó Ilya Kabakov y dirigió musicalmente Sylvain Cambreling, que repetirá en el foso.
Dudas con la orquesta
Cuando Jesús López Cobos abandone en septiembre la Orquesta Titular del Teatro Real se presenta una nueva etapa. El músico español ha estado al frente de la formación desde el año 2003 y ha impuesto unos cuerpos musicales estables en el teatro madrileño. Pero a partir de ahora, sin una batuta fija al frente, se abren varios interrogantes artísticos para la nueva etapa de Gerard Mortier. ¿Cómo solucionará el problema de la orquesta? Ésta es una de sus máximas preocupaciones en este momento. Es más, un asunto prioritario.
Ya en su época como responsable de la Ópera de París renunció a nombrar un músico titular. Se le criticó de entrada y se le alabó después. Los buenos resultados obtenidos avalaron su método. Pero la inquietud, a la hora de aplicar el mismo criterio en Madrid, es lógica. Muchos temen que los músicos queden sin dirección.
Mortier sabe que la orquesta es un pilar fundamental de su proyecto. Ha hecho que la escuchen varios directores de su máxima confianza, y quiere hacer un trabajo riguroso y continuo. Desde siempre, el gestor belga ha preferido trabajar con expertos en cada repertorio que se turnen y ensayen a fondo diferentes estilos. En Madrid repetirá su fórmula con directores que tengan especial conocimiento del repertorio contemporáneo.
Los nombres fijos en esta nueva etapa serán Pablo Heras, Thomas Hengelbrock, Sylvain Cambreling, Symon Bychkov -cada dos temporadas- u otros como el español Pedro Halffter Caro y el argentino Alejo Pérez. A ellos se sumarán otras estrellas de la batuta. Para el coro se maneja una solución más quirúrgica. El director Andrés Máspero, también argentino, se pondrá al frente de las voces. Y, además, se harán nuevas audiciones.
Cristóbal Halffter gana el Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento
05-02-2010
Cristóbal Halffter gana el Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento por contribuir “a la idea de una música contemporánea europea”
El Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento en la categoría de Música Contemporánea ha sido concedido al compositor y director español Cristóbal Halffter Jiménez-Encina (Madrid, 1930), en cuyas obras “palpita una inspiración inmensa”, afirma el jurado en el acta. “A través de su coherencia y de la continuidad de su compromiso, [sus obras] han contribuido enormemente a la idea de una música contemporánea europea”.
Obituario de Mario Monreal
05-02-2010
OBITUARIO
Mario Monreal
Pedazo de pianista. Intérprete de raza
JUSTO ROMERO. El Mundo. 4.II.2010
Mario Monreal era un pedazo de pianista. Un intérprete de raza que vivía para y por el piano. Ha muerto en plena actividad, cuando aún resuenan en la memoria de los melómanos las notas de su última y triunfal actuación. Fue el jueves de la pasada semana tocó en el Palau de la Música de la capital del Turia el Segundo concierto para piano y orquesta de Saint-Saëns bajo la dirección de Enrique García Asensio y junto a la Orquesta de Valencia. Tenía 72 años, aunque física, pianística e intelectualmente conservaba intacta la vitalidad de su prometedora juventud, cuando era un chaval que se comía el mundo con su inmenso repertorio. Monreal era y es el más importante pianista valenciano junto con el legendario José Iturbi.
Nacido en Sagunto, Mario Monreal poseía un repertorio tan inmenso como diverso. Tocó en varias ocasiones el ciclo completo de las 32 sonatas de Beethoven, la obra completa de Chopin, Rajmáninov, Brahms, Chaikovski, Prokófiev, Liszt, Albéniz, Falla… También la música contemporánea, valenciana y universal. En sus dedos generosos e hipervirtuosos, compositores como Eduardo Montesinos, Amando Blanquer o Llácer Pla encontraron un verdadero adalid.
Actuó junto a importantes directores y orquestas. Fue un artista entregado al piano, empeñado siempre en lucir las inmensas posibilidades que le brindaba su rigurosa formación, que potenciaba esas aptitudes ciertamente excepcionales. Desde su infancia, cuando comenzó los estudios pianísticos con su padre, brilló con intensidad. También luego, cuando los amplió en los conservatorios de Valencia y Madrid.
Completó su formación en siete provechosos años en la Musikhochschule de Múnich, entre 1955 y 1962. Allí, en Alemania, profundizó en el inmenso repertorio alemán, del que se convirtió en uno de sus más sólidos valedores en España. La difícil pero triunfal carrera de los premios le sirvió para ser reconocido como uno de los grandes del teclado español de su tiempo. En 1963 obtuvo el Premio Jaén. Un años antes, el otorgado por el Ayuntamiento de Múnich, y en 1966 el Premio “Música en Compostela”.
Los melómanos no olvidan sus frecuentes y maratonianas series de recitales, en las que abordaba complejos ciclos completos con una soltura verdaderamente asombrosa. A los mencionados ciclos integrales de Beethoven y Chopin, añade en su haber los de todas las sonatas de Mozart, la Iberia de Albéniz, los Estudios de ejecución transcendental de Liszt o series de recitales dedicas al repertorio ruso del siglo XX.
La nómina de países que han albergado sus recitales y conciertos resulta interminable. Desde Sudáfrica a Polonia; de Brasil a China o Australia, sus éxitos han traspasado fronteras y estilos. Estrenó infinidad de obras, que atendió con el mismo esmero y entusiasmo que el repertorio convencional.
Su pasión por el piano se volcó también en la enseñanza, vocación que supo simultanear con su irrenunciable carrera concertística. Es autor de diversos métodos y estudios de piano, publicados por la prestigiosa firma Rivera Editores. Del magisterio en su cátedra del Conservatorio Superior de Valencia han salido numerosos y estupendos pianistas. En ellos perduran su arte y sabiduría pianística.
Mario Monreal Monreal, nació en Sagunto (Valencia), el 8 de enero de 1938, y falleció el pasado martes, 2 de febrero, en su residencia de Guadassuar (Valencia), con 72 años.
Justo Romero
Giulini: Tchaikovsky y Dvorak. Testamente.
03-02-2010
Giulini: Tchaikovsky y Dvorak. Testamente. ****
Esta publicación proviene de un concierto en vivo de la Filarmónica de Berlín en su propia sede en 1973, retransmitido en su día por radio, de donde quizá provenga una simplemente correcta toma sonora. Tras un inspirado preludio de “Khovantchina” surge una lectura vibrante del concierto para violín de Tchaikovsky con una solista ya casi olvidada, Kyung Wha Chung, y una aún más redonda de la séptima de Dvorak que hace añorar al gran maestro. Gonzalo Alonso
Gonzalo Alonso
MORTIER RECIBE LA MEDALLA DE ORO GLORIA ARTIS DE POLONIA
21-01-2010
RECIBE LA MEDALLA DE ORO GLORIA ARTIS DE POLONIA
Madrid, 21 de enero de 2010.- Gerard Mortier, designado director artístico por el Teatro Real, ha sido galardonado con la Medalla de Oro Gloria Artis, la más alta distinción que el Gobierno de Polonia concede en el ámbito de las artes y las letras, por su contribución a la promoción de la cultura y la música de este país, así como de los artistas polacos, a quienes ha dado la oportunidad de actuar en los teatros más importantes de Europa.
La entrega de la medalla tendrá lugar en la Embajada de Polonia en Bruselas mañana, viernes 22 de enero, a las 19.00 horas, en un acto en el que Gerard Mortier recibirá la condecoración de manos del ministro polaco de Cultura, Bogdan Zdrojewski.
Gerard Mortier, nacido en Gante (Flandes) en 1943, es Doctor en Derecho y Master en Ciencias de la Información y siempre ha estado vinculado al mundo de las artes. Es Doctor Honoris Causa por las Universidades de Amberes y Salzburgo y profesor de Historia Política y Sociológica del Teatro en la Universidad de Gante. Gerard Mortier es, además, Gran Oficial de la Orden de Leopoldo, Caballero de la Legión de Honor, Comendador de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid.
En noviembre de 2008 acepta el cargo de Director Artístico del Teatro Real, puesto al que se incorporará en septiembre de 2010.
Avance temporada 2010-2011 del Liceo
16-01-2010
ÓPERAS
IPHIGENIE AUF TAURIS (Ópera y Danza)
de Christoph Willibuld Gluck
Companyia Pina Bausch
días 4, 5, 6 y 7 de septiembre de 2010
CARMEN
de Georges Bizet
días 27 y 30 de septiembre de 2010
días 1, 2, 3, 5, 7, 8, 9,11, 13, 15, 16 y 17 de octubre de 2010
días 21, 22, 24, 25, 27, 28 y 30 de julio de 2011.
LULU
de Alban Berg
días 3, 7, 10, 13 y 16 de noviembre de 2010
INTO THE LITTLE HILL (Ópera en el Foyer)
de George Benjamin
días 2 y 3 de diciembre de 2010
FALSTAFF
de Giuseppe Verdi
días 9, 12, 14, 15, 17, 18, 21, 23, 27 y 29 de diciembre de 2010
ANNA BOLENA
de Gaetano Donizetti
días 20, 25 y 30 de enero de 2011
días 4, 9, 14, 18, 23 y 27 de febrero de 2011
día 5 de marzo de 2011
PARSIFAL
de Richard Wagner
días 20, 24, 25 y 28 de febrero de 2011
días 2, 4, 8, 10 y 12 de marzo de 2011
LA CAVALLERIA RUSTICANA
de Pietro Mascagni
PAGLIACCI
de Ruggiero Leoncavallo
días 1, 4, 5, 6, 7, 8, 10, 11, 12, 13, 14, 16, 17, 19 y 20 de abril de 2011
EL RETABLO DE MAESE PEDRO
de Manuel de Falla
días 16 y 17 de abril de 2011
DER FREISCHÜTZ
El cazador furtivo
de Carl Maria von Weber
días 12, 15, 17, 18, 20, 21, 23, 24, 27, 29 y 30 de mayo de 2011
ARIANE ET BARBE-BLEUE
de Paul Dukas
días 18, 21, 26 y 29 de junio de 2011
días 3, 5, 7 y 8 de julio de 2011
LBYRON
Un estiu sense estiu
de Agustí Charles
días 25, 27 y 28 de junio de 2011
TAMERLANO (en versión concierto)
de Georg Friedrich Händel
días 6 y 9 de julio de 2011
DAPHNE (en versión concierto)
de Richard Strauss
días 10 y 12 de julio de 2011
Òpera al Teatre Lliure
COSÌ FUN TUTTE
de Carol López
Adaptación de la ópera Così fan tutte de Mozart
días 1, 2 y 3 de octubre de 2010
DANSA
IPHIGENIE AUF TAURIS (Ópera y Danza)
de Christoph Willibuld Gluck
Compañía Pina Bausch
días 4, 5, 6 y 7 de septiembre de 2010
DRESDEN SEMPEROPER BALLET
días 6, 8, 9, 11, 12, 14 y 15 de noviembre de 2010
MARTHA GRAHAM COMPANY
días 1 y 2 de julio de 2011
IT DANSA
día 10 de abril de 2011
CONCIERTOS
CONCIERTO STRAVINSKY – RAVEL (en L’Auditori de Barcelona)
día 9 de noviembre de 2010
CONCIERTO BRAHMS
días 19 y 22 de diciembre de 2010
CONCIERTO FINAL CONCURSO "FRANCESC VIÑAS"
días 21 y 23 de enero de 2011
CONCIERTO MEASHA BRUEGGERGOSMAN
día 11 de marzo de 2011
CONCIERTO BRUCKNER (en L’Auditori de Barcelona)
días 18, 19 y 20 de marzo de 2011
CONCIERTO ROLANDO VILLAZÓN
día 3 de abril de 2011
DIANA DAMRAU CANTA MOZART
días 26 y 28 de mayo de 2011
RECITALES
RECITAL VIOLETA URMANA
día 4 de octubre de 2010
RECITAL JONAS KAUFFMAN
día 10 de octubre de 2010
RECITAL ANDREAS SCHOLL
día 16 de mayo de 2011
Fallece Wladimiro Ganzarolli, la voz del “gran señor”
14-01-2010
Wladimiro Ganzarolli, la voz del “gran señor”
“En silencio, con la discreción del gran señor y del gran artista que siempre fue, el barítono Wladimiro Ganzarolli nos ha dejado”. Con estas palabras, el director de orquesta y musicólogo Alberto Zedda se lamentaba ayer de la muerte del cantante que llenó los escenarios europeos y americanos durante las tres intensas décadas de su prolífica carrera.
Ganzarolli contaba 78 años -los cumplió el pasado 9 de enero-, y era uno de los cantantes más versátiles y completos de su gran generación. Belcantista reconocido y mozartiano cuando casi nadie interpretaba al genio de Salzburgo, su poderosa voz de auténtico barítono triunfó en los mejores teatros. Desde su debú en el Teatro alla Scala fue, durante decenios, uno de los cantantes favoritos del exigente público escalígero, al que brindó los papeles de Figaro, Leporello, Guglielmo, Méphistophélès, Dulcamara, Ali Baba, Cardillac, Sulpice o Nevers.
El gran Figaro y Falstaff, cuyo talento interpretativo tanto fascinó a Luchino Visconti, falleció el miércoles en su residencia campestre del Piamonte (Italia). A su lado se encontraba su esposa Helga Schmidt, actual Intendente del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia.
En la memoria de los melómanos quedará siempre -entre otras muchas interpretaciones- su referencial versión de Don Pasquale registrada en la Ópera de Chicago el 2 de noviembre de 1974, junto a Alfredo Kraus e Ileana Cotrubas, dirigida por Bruno Bartoletti. Ganzarolli poseía una voz de inconfundible timbre y considerable tesitura que le permitía abordar con éxito un repertorio muy variado. Su exclusivo talento teatral y su siempre impecable dicción hicieron de él uno de los mejores intérpretes de Mozart y de Rossini. Luchino Visconti admiraba especialmente “el canto elegante y la sensibilidad artística” del barítono veneciano que, según palabras del cineasta, “profundizaba a la perfección en la psicología de los personajes”; poseía la habilidad de saber exprimir al máximo la filosofía más recóndita de cada papel.
Nacido en Venecia en 1932, estudió en el Conservatorio de Música Benedetto Marcello con Iris Adami Corradetti. Pronto comenzó a ganar un concurso tras otro. Hombre de amplia cultura y gran formación, dejó su incipiente carrera de maestro y profesor para volcarse en su ineludible vocación de cantante lírico.
Ese fondo cultural de sabiduría -tan inusual en el ámbito de la lírica- se reveló enseguida en sus incisivas interpretaciones, en las que cada palabra, cada frase, constituía un hermoso e inteligente cauce de expresividad y de profundización en el aspecto musical y teatral de sus personajes.
En 1958 debuta en Milán con el exigente Méphistophélès del Fausto de Gounod. Un año después aborda en Spoletto El duque de Alba, de Donizetti, bajo la dirección de Thomas Schippers, con puesta en escena de Luchino Visconti. Volverá a trabajar con el mítico director de cine en Las bodas de Figaro y en Falstaff de Verdi.
Será precisamente este último título el que le proporcione un éxito arrebatador en la Scala de Milán, con tan sólo 29 años, acontecimiento que la prensa elogió con el comentario de “Fumata blanca”. Desde entonces, su carrera se proyectó con fuerza en todos los templos líricos internacionales. Entre sus roles más emblemáticos, la mayoría de ellos interpretados en los teatros italianos más importantes, figuran Dulcamara, Sulpice, Leporello, Figaro, Papageno, Golaud, Scarpia, Escamillo, Falstaff o Ali Baba.
En 1964 inició su fructífera colaboración con la Ópera de Viena, donde destacó especialmente como cantante mozartiano en un periodo en el que el compositor salzburgués no estaba “tan de moda” como ahora. Sus criterios interpretativos sentaron cátedra. Allí interpretó Scarpia, Escamillo y Méphistophélès, además de sus memorables creaciones de los célebres personajes de la trilogía Mozart-Da Ponte: Figaro (Las bodas de Figaro), Leporello (Don Giovanni) y Guglielmo (Così fan tutte), grabadas posteriormente en el Covent Garden bajo la dirección de Colin Davis.
Cantó y grabó junto a los más grandes de su larga generación. Con Jessey Norman y Mirella Freni en las celebradas Bodas de Figaro dirigidas por Colin Davis; con Tito Gobbi en un Don Giovanni dirigido por Franco Zeffirelli; con Pilar Lorengar, Montserrat Caballé y Luigi Alva en Così fan tutte, transmitido por la BBC desde el Covent Garden, bajo la dirección de Georg Solti, y un sinfín de artistas entre los que también figuran Teresa Berganza, Montserrat Caballé (Las Bodas de Figaro en el Liceu), Plácido Domingo, Katia Ricciarelli, Elena Obraztsova, Mirella Freni, Luciano Pavarotti, Nicolái Guiaurov o Joan Sutherland. Además, grabó La italiana en Argel con Lucia Valentini Terrani, Un giorno di regno, Stiffelio, Luisa Miller y La vera Constanza. Como director de escena abordó con gran éxito La Bohème en Tokio.
Fue particularmente aclamado por el cálido público del Teatro Colón de Buenos Aires, donde triunfó con óperas como La italiana en Argel, I quatro rusteghi, Las bodas de Figaro o Guillermo Tell. También participó asiduamente en el Festival de Aix-en-Provence, donde formó una pareja emblemática con Teresa Berganza, hasta el punto de que en medios musicales se referían a este famoso festival como “Festival BerGanzarolli”. Justo Romero
Wladimiro Ganzarolli, barítono, nació en Venecia (Italia), el 9 de enero de 1932, y falleció en Piamonte (Italia), el 13 de enero de 2010, con 78 años.
Justo Romero
CARTA A ALBERTO OLIART, PRESIDENTE DE LA CORPORACIÓN RTVE
01-01-2010
CARTA A ALBERTO OLIART, PRESIDENTE DE LA CORPORACIÓN RTVE
Estimado Sr Oliart:
Enhorabuena por su nombramiento como Presidente de la Corporación y mucha suerte en su gestión. Encarna usted la figura del consenso político. Le deseamos que también lo alcance en RTVE y, por extensión, con los propios usuarios de la Radiotelevisión pública. Los firmantes de esta carta abogamos por unos medios de comunicación públicos que cumplan un papel fundamental en la difusión de la cultura y la educación de nuestra sociedad, donde primen los criterios de calidad y no los niveles de audiencia. En este sentido, RNE era un ejemplo encomiable hasta la llegada del actual equipo directivo.
Nos dirigimos a usted como oyentes de Radio Clásica, decepcionados desde hace casi dos años con la gestión de su director, don Fernando Palacios. No sabemos si usted es melómano, pero si lo fuera, probablemente estaría usted tan frustrado como nosotros. Con esta emisora hemos aprendido a amar y disfrutar de la música clásica, desde la más antigua hasta la actual, pasando por el jazz, el flamenco, las músicas de tradición oral... Le podemos asegurar que ya querrían muchas universidades inculcar en sus alumnos los conocimientos y la pasión por sus contenidos como lo ha hecho Radio Clásica durante muchos años. Para ello ha contado con grandes profesionales, voces con formación y experiencia en la divulgación musical que el Expediente de Regulación de Empleo (ERE) se ha encargado de barrer casi por completo. El ERE ha dado paso a una programación sustentada básicamente en personas noveles, carentes todavía de los recursos habituales exigibles en una emisora como Radio Clásica, aunque no quiere decir que neguemos el relevo generacional ni que estemos en contra de los cambios, si se hacen con rigor.
Creemos que la gestión de don Fernando Palacios ha agravado la situación provocada por el ERE. Si su finalidad consistía en ofrecer una radio presuntamente más dinámica y popular, creemos que no lo ha conseguido. Muy al contrario, ha inundado la emisora con su presencia, llegando a ocupar más de diez horas semanales con sus propios programas. Campa por sus respetos la palabra vacua, con contenidos que no van más allá de lo anecdótico, incluyendo entrevistas pueriles y reportajes frívolos. Lo peor de todo es que ha inundado Radio Clásica de otras músicas de dudosa calidad, inapropiadas cuando menos, y presentes ya en infinidad de emisoras. Hace unos años, Radio Clásica era un verdadero ejemplo de servicio público dedicado a la música clásica, tan necesitada en todas sus vertientes de un espacio único y propio. Ahora, con todos los respetos, algunos de los programas rozan la vulgaridad y el pésimo gusto musical. La consigna esgrimida por Don Fernando Palacios de “ampliar el concepto de música clásica” ha resultado, por lo tanto, nefasta para los melómanos.
Si nos tomamos la libertad de hacerle llegar nuestra inquietud por Radio Clásica es ante la falta de respuestas que hemos tenido cuando nos hemos dirigido a otras instancias, al propio Fernando Palacios en primer lugar, a la dirección de RNE y a la defensora del oyente. El muro defensivo que parece proteger al director de Radio Clásica es incomprensible, especialmente tras el fiasco de su programa en Radio 1 "Música sobre la marcha" eliminado por falta de audiencia, con lo que ha terminado la tradicional presencia de la música culta en la radio generalista. Confiamos en que con su llegada se pueda poner coto a la degeneración de un servicio público que ninguna otra emisora da, y que fue en su día apreciada, entre otros, con el Premio Ondas, cosa que hoy se nos antoja inimaginable.
Le rogamos que, de una vez por todas, se informe bien sobre lo que está ocurriendo en Radio Clásica, convertida en el feudo sobre el que experimenta su director, y tome usted cartas en el asunto. La imagen que RNE ha de ofrecer de esta manifestación artística así lo merece.
ENRIQUE CASTRO RAMÓN
Halffter ha de evitar el 'Réquiem' a la Sinfónica
01-01-2010
Halffter ha de evitar el 'Réquiem' a la Sinfónica
Diario de Sevilla, 12-12-2009
Halffter ha de evitar el 'Réquiem' a la Sinfónica
LA Real Orquesta Sinfónica de Sevilla dio vida anoche desde el foso del Maestranza a la ópera La favorita de Donizetti con el recuerdo a Vjekoslav Sutej, su primer director, fallecido la semana pasada. La batuta que cohesionó a la heterogénea plantilla fundacional de la orquesta, la que dejó boquiabiertos a los melómanos desde su concierto inaugural en 1991, no pudo librarse de la leucemia como el tenor José Carreras. Merecía en vida el homenaje que no ha tenido por parte de una ciudad en la que contribuyó a ilusionar de nuevo con la música clásica.
Gigi Sutej, que podía acreditar el éxito de su actividad estable nada menos que en Viena, además de Venecia y Houston, era mejor director para ópera (cohesionaba muy bien las voces y sabía sacar lo mejor de los cantantes) que para repertorio sinfónico, como demostró en una Bohème de ensueño. Hubiera encandilado más aún a los sevillanos de haber vivido la época del Maestranza con la Sinfónica siempre en el teatro (dejando atrás la Sala Apolo, impropia para esta orquesta) e interpretando con regularidad varias óperas por temporada. Por desgracia, lo que conoció (y todos padecimos) fue la inoperancia del Ayuntamiento para sostener el rotundo éxito inicial de la Sinfónica, dejando de aportar su obligada asignación y provocándole tal asfixia económica que, como si estuviéramos en el Tercer Mundo, Teresa Berganza tuvo que dar un concierto benéfico para recaudar fondos. Se fue en 1996, convencido de que en Sevilla las instituciones no son de fiar.
Ahora la Sinfónica y el Maestranza están en un tris de vivir otro momento crítico. Después de invertir el Ministerio de Cultura 10 millones de euros en la ampliación y modernización escénica del teatro, ahora el Ayuntamiento y la Junta (la Diputación, en cambio, mantiene su compromiso), procurando no señalarse ante la opinión pública, pretenden disminuir su aportación al teatro en los presupuestos del 2010, y que sus gestores se las apañen como puedas. Más grave aún es la tentación municipal de desamparar económicamente a la ROSS. Esto no es culpa de la crisis, sino sobre todo de gobernar mal y errar de continuo en la invención de apuestas estratégicas cuyo tiro nos sale carísimo y por la culata.
Pedro Halffter tiene en su mano la batuta para evitar una involución de 15 años en el teatro y en la orquesta, cuando la unanimidad de los medios de información y la reacción de los sectores culturales acoquinó a los políticos que osaban cortarle el grifo al Maestranza. Ha de plantar cara a lo que se planea. La sociedad sevillana le respaldará, como verdadera propietaria y protagonista de su casa grande de la cultura, por otro lado tan desaprovechada para el turismo cultural de alto poder adquisitivo. Y le garantizo que, pese a que Sevilla tiende a ser sumisa e indolente, no consentirá una estocada a la Sinfónica y acabará con la carrera política de Maribel Montaño y de cualquiera que tenga el cargo de delegado municipal de Cultura y no sea capaz de garantizarle a teatro y orquesta los recursos planificados. Juan Luis / Pavón
