La soprano albanesa Ermonela Jaho triunfa en una versión funeraria de la ópera de Verdi con más brillo musical que escénico

Nos lo ha puesto difícil Ermonela Jaho con su nombre. Todavía es joven para cambiarlo en beneficio de una versión de mayores ambiciones mercadotécnicas, aunque estas cuestiones se antojan un formalismo accesorio respecto al alboroto que suscitó la joven soprano albanesa en papel de La traviata, concebido anoche en el Teatro Real con refinamiento, exquisitez y un desenlace patético en la mejor acepción del adjetivo.

Fue ella el la sorpresa y el acontecimiento de la ópera verdiana, especialmente cuando sobrevino el miserere del último acto. Creímos que se moría de verdad. Incluso hubo espectadores que interpretaron el ataque de tisis de la dama de las camelias como una licencia general para toser.

No consiguieron las toses ni los teléfonos móviles malograr el espectáculo. Predominó el recogimiento propio de una misa de difuntos. Un réquiem que el director de escena David McVicar había ideado sobre una lápida gigantesca. La tarima era la tumba de la mujer descarriada y el argumento dramatúrgico más interesante –y menos visible– de un espectáculo convencional al que otorgó intensidad el maestro Renato Palumbo en el foso. O en la fosa, admitidas las connotaciones funerarias del ritual.

Los aficionados del Real, incluso, se quedaron a aplaudir. No acostumbran a hacerlo. Por las prisas y porque discrepan de las moderneces, aunque el montaje de La traviata estrenado anoche en Madrid produjo un efecto balsámico, terapéutico, conciliador, entre los espectadores conservadores que apoquinan 381 euros en la première.

Muchos de ellos habían huido solidariamente en el descanso de El público. Los ahuyentó el estreno mundial de la ópera Mauricio Sotelo. Y amenazaron incluso con desprenderse de los abonos, pero La traviata ha disuadido las medidas radicales. Más aún cuando la dramaturgia costumbrista de David McVicar les debió resultar tan llevadera como un episodio de El tiempo entre costuras.

Ya lo sabíamos quienes frecuentamos el Liceo el pasado mes de octubre. Descubrimos entonces que las soluciones conceptuales de McVicar sobre los presagios, el fatalismo y la claustrofobia se resintieron de una estética demasiado convencional.

Es un buen montaje para iniciarse y una garantía para asegurarse la afluencia de espectadores en las 16 funciones previstas, pero el puente aéreo de Barcelona y Madrid, pilotado por Joan Matabosch con sus galones de intendente, ha proporcionado un resultado demasiado previsible. Y no porque exijamos una Traviata ambientada en una cabina telefónica, como diría Woody Allen, sino porque la intención de Verdi en la defensa de la mujer descarriada conllevaba embrionariamente la obligación de provocar.

Ni siquiera McVicar se atiene a sus propias indicaciones pedagógicas. Nos anuncia e una lectura intimista, desprovista de oropeles, pero la versión incurre en el prosaísmo, aloja una coreografía vulgar y se desentiende del claroscuro verdiano en beneficio de una oscuridad premonitoria que procura un exceso de monotonía.

Se explica así que el interés del montaje madrileño respecto al barcelonés consistiera en las diferencias del reparto y en las novedades de la versión musical, atribuidas al criterio de Renato Palumbo en una concepción intensa, esmerada y, en ocasiones, sobreactuada de la ópera de Verdi. Remarca el maestro italiano las tinieblas y se recrea en los pasajes sublimes con toda la paleta cromática y tímbrica. Sucedió en Addio al passato y ocurrió cuando Juan Jesús Rodríguez, imponente Germont, nos hizo respirar la melodía de Verdi y reparar la insuficiencia de Francesco Demuro en el papel crucial de Alfredo. Ruben Amón

 

ABC, 20/04/2015

Las penas con pan

‘LA TRAVIATA’

Autor: Giuseppe Verdi. Int.: E. Jaho, F. Demuro, J.J. Rodríguez, M. Nogales, M. Ubieta, A. Casals, F. Radó, a. González. Dir. escena: D. McVicar. Dir. musical: R. Palumbo, Lugar: Teatro Real, 20-IV

La ópera popular da alas a cualquier teatro, de manera que el Real vuela estos días llevado en volandas por las benignas corrientes de la satisfacción. Anoche levantó el telón para la primera de las funciones dedicadas a «La traviata». Dieciséis en total redondearán la oferta que apurando el tirón se completa con la transmisión el 8 de mayo, en directo para todo el mundo, y en Madrid en museos, centros culturales, plazas y universidades, incluyendo pantalla gigante en la Plaza de Oriente.

De momento, cabe reseñar que hubo aplausos dispuestos a consolar la inmensa pena de Violetta Valéry. También una buena cantidad de móviles en el primer acto: alguno dedicado a «whatsappear» en silencio durante el embrollo, otros empeñados en sonar durante el mismo. En realidad, pocas cosas animaban a prestar atención: de entrada, el maestro Renato Palumbo tropezaba con la concertación del coro, el tenor Francesco Demuro cantaba vulgarmente y la soprano albanesa Ermonela Jaho aparecía empequeñecida entre el timbre oscuro de la voz, un vibrato no siempre afortunado y una emisión calante.

Hubo que observar con atención para percibir que Palumbo apuntaba maneras, siempre más próximo a la retórica de la obra que a poner de manifiesto la quintaesencia de su orquestación. Recién entrado el segundo acto acabaría por convertirse en el gran hacedor de la obra logrando, poco a poco, hacer creíble la enorme sinrazón de este drama conmovedor. A su lado también estuvo Jaho, profundizando en la definición del personaje y recreándose en varios detalles de buena escuela que alcanzaron un punto culminante con el definitivo «Addio del passato». En el resto del reparto primó la materia a la calidad de fondo, la voces solventes y con presencia antes que la interpretación refinada de una historia construida por seres de carne y hueso. Los papeles principales serán sustituidos en los próximos días por otros dos repartos, incluyendo nombres de raigambre como el de Leo Nucci.

Al margen de los detalles propios de la noche, a pocos disgustará está producción firmada por David McVicar y realizada al alimón con el Liceu de Barcelona y las óperas de Glasgow y Cardiff, en la que todo es explícito e inmediato. Concentrado, incluso, pues exige aforar mucho el escenario, lo que redunda en la concentración de la acción. Amplios cortinajes y algún detalle más proponen insistir en el juego del teatro dentro del teatro, del mismo modo que un suelo de oscura piedra evoca la tumba de Violetta. Un amplio equipo de asistentes se ha encargado en Madrid de poner en pie la reposición de un título que necesita poco para llamar la atención. No es casualidad que en otro teatro de la Gran Vía se anuncie estos días la misma obra, demostrando que el público sigue existiendo y a muy distintos niveles de exigencia. Sólo hay que volver sobre un manojo de títulos canónicos para comprobarlo. A partir de ahí, alguna responsabilidad tendrá también el sistema educativo a la hora de conseguir que sea viable ir más lejos. Alberto González Lapuente

El PAÍS, 22/04/2015

La Traviata

Música de Giuseppe Verdi. Con Ermonela Jaho, Francesco Demuro y Juan Jesús Rodríguez. Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real. Dirección musical: Renato Palumbo. Dirección escénica: David McVicar.Teatro Real, hasta el 9 de mayo.

Alfredo recuerda: el día en que consiguió a la mujer que amaba en secreto desde hacía un año, el tiempo en que vivieron felices lejos del mundanal ruido, el día en que la perdió irremediablemente para que su padre salvara —o creyera salvar— el buen nombre de su familia, el día en que, tras reencontrarse, murió en sus brazos. Antes de que suenen los primeros acordes del Preludio, Violetta Valéry ya está muerta: el negro invade la escena, varios hombres, al fondo, inventarían sus enseres antes de ser subastados y Alfredo pasea cabizbajo ante su tumba. A partir de ahí, reconstruimos la historia de esta mujer en un escenario que parece renunciar a sus dimensiones reales para convertirse en uno mucho más reducido, opresivo a ratos, el que van construyendo a su antojo los fogonazos de la memoria para repasar el tránsito de una Violetta de vida disoluta (los cortinajes negros tienen tanto de presagio fúnebre como de refinado ambiente prostibulario), que se redime por amor y que acaba siendo mártir de este mismo sentimiento en un París que no es el que vio nacer las obras de Dumas y Verdi, sino uno alrededor de treinta años posterior, aún más podrido e hipócrita que el de los comienzos del Segundo Imperio, coetáneo de la falaz Vetusta de Ana Ozores.

Pero no se trata, claro, solo de amor: también de sexo, y uno de los aciertos puntuales de McVicar es mostrarnos a Violetta desnuda sobre la cama al comienzo del segundo acto. Ella sabe del tema y Alfredo ha sucumbido también a esos encantos. La pena es que esta imagen apenas encuentra desarrollo en el curso posterior de la acción y, en este sentido, resulta difícil comprender cómo, tras el reencuentro tan anhelado por ambos al final del tercer acto, Alfredo irrumpe en la habitación en que su amada se consume de tisis y, sin apenas cruzarse sus ojos, a su espalda, apoya levemente las manos sobre sus hombros mientras una y otro cantan Amato Alfredo y Oh mia Violetta mirando al público, en lugar de arrobarse en la contemplación mutua.

Con la sustitución de la anunciada Patrizia Ciofi por Ermonela Jaho en el personaje protagonista se ha ganado en frescura y calidad vocal, pero también —a tenor de lo visto— se ha perdido en dicción (terrible la de la albanesa, casi siempre incomprensible) y, sobre todo, en credibilidad teatral, ya que el montaje parece adecuarse mejor a una Violetta mucho más hecha y experimentada que la joven Jaho, parca al revelar la compleja y comprimida metamorfosis vital que se ve obligada a representar en un par de horas.

Su vestuario —negro en el primer acto con una pequeña flor roja en el escote, blanco al comienzo y rojo al final del segundo, blanco apagado de nuevo en el tercero— comenta sin palabras esa transformación que ella hizo poco por resaltar y matizar. Musicalmente, se acomodó con habilidad la partitura a sus capacidades y reservó lo mejor de su arsenal para el tercer acto, el que desata la empatía del público y garantiza un triunfo seguro a la protagonista. Salvó con astucia sus insuficiencias en el registro grave y se recreó, a veces en exceso, en las notas agudas en que la voz luce su timbre más atractivo.

Francesco Demuro, que también debutaba en el teatro, dio vida a un Alfredo un tanto plano, timorato a ratos, aunque en lo musical fue mucho más respetuoso con la escritura de Verdi. Juan Jesús Rodríguez, aplaudidísimo al final, compuso un Giorgio Germont altivo y hierático, con cuidada línea de canto, pero emisión vocal un poco estrangulada. Desde el foso, Renato Palumbo se mostró imprevisible y caprichoso: entre una dirección detallista y otra abiertamente teatral, no pareció decantarse por ninguna y se limitó a concertar con desparpajo, eficacia, escaso refinamiento (ya los cruciales sforzandi del Preludio sonaron bastos) y muy pobre emotividad.

Es una lástima que, por enésima vez, ambos directores hayan sucumbido a la nefasta tradición interpretativa de esta ópera, que dicta cortes implacables y absurdos casi por doquier. Jaho no cantó, por ejemplo, la segunda estrofa (A me, fanciulla) de su aria del primer acto, lo que desequilibra —entre otras cosas— el buscado paralelismo con suAddio del passato</CF> del tercero, en el que sí que cantó las dos. Se mutilaron asimismo parte de la cabaletta de Germont y del dúo final de Violetta y Alfredo, y tampoco sonaron las exclamaciones finales tras la muerte de Violetta. ¿Cómo puede una tradición irreflexiva y equivocada imponerse a las convenienze intrínsecas al género y al diseño de tiralíneas de un compositor puntilloso y un cabal hombre de teatro como Verdi?

Con los ingresos por taquilla garantizados, las quince funciones restantes servirán para poner a prueba a otros debutantes (y vivir, por tanto, otras Traviatas) y para escuchar en tres de ellas el Giorgio Germont de Leo Nucci, toda una invitación a los amantes de la nostalgia, el mismo sentimiento que se apodera de Alfredo Germont al recordar todo aquello que pudo ser y no fue. Luis Gago

Fotos: Javier del Real