Críticas salzburguesas

Les ofrecemos aquí una selección de críticas extractadas publicadas en prensa internacional

“Così fan tutte”

Una mirada vale más que mil palabras. Fiordiligi abre la puerta y ve a Don Alfonso. Ella se asusta, se recompone y mira a este caballero con ira y desprecio internos. Debe haber sucedido algo. ¿Un enfoque inmoral? ¿Una aventura? Sea lo que sea, este incidente resonará durante las próximas dos horas y media.

Hay insinuaciones, gestos discretos con los que el director Christof Loys abre abismos en “Così fan tutte” de Mozart. En el festival modificado del verano 2020, la versión de la Ópera Da Ponte tuvo un gran impacto. ¿Podrá esto volver a tener éxito un año después, frente a filas llenas de asientos y en medio de una actividad festiva “normal” y densa? La reanudación confirma las impresiones del año anterior. En las cercanías de “Don Giovanni”, el “Così” gana en contraste. Tras la masiva avalancha de imágenes de Romeo Castellucci, la escenografía de Johannes Leiacker aparece gratamente reducida: una pared blanca con dos puertas que se abre en el segundo acto y deja ver la vista de un patio.

En este ambiente se desarrolla el drama de los cuatro jóvenes enamorados, que son conducidos por Don Alfonso a las fronteras del amor y la lealtad. Los cantantes han consolidado su interpretación y han conservado la magia de sus voces: Marianne Crebassa incluso ha refinado un poco su ágil y colorido mezzo En la despreocupada sed de aventuras de Dorabella siempre se puede sentir la inevitable desgracia emocional. La brillante soprano de Elsa Dreisig rastrea el anhelo de estabilidad del Fiordiligi. Esta joven debió haber mirado ya un abismo, esto se nota en su naturaleza melancólica.

Los hombres no salen bien parados, y Christof Loy dibuja esto con profundidad psicológica. André Schuen se apresura hacia adelante como Guglielmo en su primera escena: una tarjeta de presentación adecuada de este paquete de testosterona. Su timbre de barítono viril llena el Grosses Festspielhaus con facilidad, pero en las escenas “silenciosas” se puede ver a un tipo vulnerable y de piel fina. La voz del tenor de Bogdan Volkov ha crecido en volumen desde el año anterior, pero “Un’aura amorosa” sigue siendo un modelo de delicadeza lírica finamente tejida. Su Ferrando sólo renuncia muy tarde al papel de víctima en las intrigas de Don Alfonso y Despina, que es retratado en múltiples facetas por el actor de carácter Johannes Maria Kränzle y la vivaz, coloratura confiada a Lea Desandre. Especialmente en la interacción de estos dos personajes, Loy toma pausas esclarecedoras.

La interpretación orquestal corre a cargo de la Filarmónica de Viena, de la cual la directora Joanna Mallwitz extrae una vez más un sonido mozartiano profundo, nítido, primaveral y burbujeante. ¿Sonido original apasionante a la Currentzis o la ligereza y calidez de la Filarmónica de Viena? Mozart tolera, o más bien requiere, ambos.

Cosi fan tutte en Salzburgo

La “Tercera” de Mahler con Nelsons

Gustav Mahler compuso su tercera sinfonía en Steinbach am Attersee, un himno inquisitivo, urgente y reconfortante a la creación con una estructura musical fastuosa. El sábado por la mañana, la obra, que requirió más de 150 intérpretes, fue interpretada por la Filarmónica de Viena bajo la dirección de Andris Nelsons en el Festival: Un golpe de alivio en el dominio de la crisis.

El hecho de que la “Tercera” de Mahler pueda realizarse incluso en tiempos de pandemia bordea un milagro cultural y político. Dos coros, uno de mujeres y otro de niños, una orquesta con un gran conjunto de viento, además de un auditorio totalmente ocupado, aunque enmascarado. La enfermedad y la destrucción del clima, la desintegración del orden y las abrasiones sociales del encierro: todo esto resuena con intensa urgencia en esta música, se refleja y se transforma en ella, encuentra espacio, inquietud, redención.

Para Andris Nelsons ya es la tercera ronda de Mahler que está filmando en el Festival con la Filarmónica de Viena. La confianza mutua entre el director y la orquesta permite hacer algo más que hacer frente al volumen de la partitura. Nelsons colocó un mosaico de tempi, rico en piedras pequeñas, tiernamente ensambladas durante dos horas con humildad como una oración. Como solista, Violeta Urmana puso el canto de medianoche en la sala, las voces angelicales vinieron del Coro de la Radio Bávara y el coro de niños del Festival y Teatro de Salzburgo.

Don Giovanni

Un automóvil de lujo cae desde arriba y se estrella contra el escenario con una fuerza terrible. Las pelotas de baloncesto suenan tras él. Luego viene un piano de cola, con un estrépito que sientes en tus huesos. Está lloviendo símbolos de estatus en el Grosses Festspielhaus de Salzburgo. El director Romeo Castellucci coloca a Don Giovanni en una iglesia desconsagrada y deja que el cielo le arroje juguetes caros. Este seductor es tanto el mocoso mimado como la fuerza vital en todos nosotros.

El Don Giovanni de Castellucci corre riesgos reales, que es, de nuevo, lo que esperas en un festival. Su interminable flujo de imágenes varía desde lo intensamente conmovedor hasta lo asombrosamente obtuso. Leporello es un clon de su maestro, que finalmente se hace cargo cuando la fuerza vital abandona a este último. Las mujeres de Don Giovanni se multiplican, primero con un grupo de sirvientas españolas que acompañan a Donna Anna, luego con bailarinas, finalmente con un impresionante “coro de movimiento” de 150 mujeres locales vestidas de color rosa variado con sombras de vaginas, reflejando el impacto acumulativo de la destrucción masculina sobre la humanidad femenina. Castellucci incluye a niños, ancianos y mujeres con discapacidades, abrazando a quienes a menudo se quedan sin voz ante el abuso.

El conjunto se resuelve minuciosamente y se ensaya impecablemente. Esta es una reflexión visual sobre los temas de Mozart, no una realización dramática del libreto de Da Ponte y, como tal, a menudo pierde impulso. Más de cuatro horas podrían contarse como un defecto, pero las imágenes son tan exquisitas, los reflejos tan matizados, la belleza tan aguda, que la dramaturgia ausente apenas importa.

Esta es la velada de Teodor Currentzis tanto como la de Castelluci. El director greco-ruso ha ido creciendo en estatura musical con cada año que ha aparecido en Salzburgo y, con este Don Giovanni , toma su lugar como el legítimo heredero de Nikolaus Harnoncourt. Cada detalle ha sido examinado rigurosamente, cada aspecto de la creatividad del compositor ha cobrado vida, con una mezcla de fidelidad y desenfreno que te hace llorar. El conjunto de Currentzis, musicAeterna, conoce este repertorio de adentro hacia afuera.

Luego está el elenco. La majestuosa Donna Anna de Nadezhda Pavlova es la que más aplausos recibe, pero Zerlina de Anna Lucia Richter hace de su papel un punto central igualmente digno. Davide Luciano y Vito Priante son un Don Giovanni y Leporello perfectamente emparejados, ágiles y cambiantes, renegados y despiadados. Michael Spyres aporta asombrosa pasión y habilidad al papel de Don Ottavio, tan genuino y noble como inconscientemente ineficaz.

No hay un solo abucheo para esta velada audazmente deconstruccionista, una marca de cuán profundamente todo el equipo ha conmovido a la audiencia.

Don Giovanni en Salzburgo

Sokolov en el Grosses Festspielhaus

Grigory Sokolov da forma a lo sublime sin prisas. El pianista ruso siempre mantiene bajo control emocional en la “Polonesa en La bemol mayor” de Frédéric Chopin, a un ritmo mesurado, cinceló el glissando hacia arriba, generalmente una sola nube de sonido, afilado como una navaja en el Grosses. Envuelve el staccati de octava en la parte central con algodón elástico. Desarrolla un flujo convincente con el pedal a partir de las figuras de semicorcheas, de las cuales obtiene acentos rítmicos inauditos.

Redescubre las Mazurcas, Preludios, Nocturnos y las grandes sonatas en Si y Si menor de Chopin. No objetiviza esta música, como lo hace Maurizio Pollini, ni la carga de una emotividad adicional como Kissin. Siempre a un ritmo moderado, Sokolov escudriña el material como un entomólogo y lo remodela de una manera emocionante con el poder del diseño arquitectónico.

Hay muchas referencias entre la música de Chopin y Rachmaninoff, dos hermanos de espíritu de diferentes épocas, ¿por dónde empezar? No hace falta decir que el romántico tardío ruso orientó sus preludios a Frédéric Chopin, quien dividió sus 24 preludios en tonalidades menores y mayores.

Grigory Sokolov se sumerge con la mayor seriedad. Esta música profundamente pianística es ideal para mostrar la inmensa gama de temperaturas, estados emocionales y timbres que se pueden extraer de este instrumento. Incluso a la edad de 71 años, Sokolov está por encima de todos los obstáculos técnicos y puede dedicarse por completo al diseño, dibujando narraciones vívidas de la jungla de notas. En el Andante en re mayor, momento de la mayor profundidad de sentimiento, no se deja perturbar por la inquietud del público y forma esta conmovedora canción sin palabras en total tranquilidad. En el Maestoso en si mayor, en cambio, forja una conexión con las majestuosas polonesas de Chopin.

El bloque de los bises también incluye un profundo arte de piano en lugar de un arte agradable: Bach à la Busoni, dos piezas para piano tardías de Brahms, un preludio de Scriabin y una delicada mazurca de Chopin. Después de dos horas y media, Sokolov da otra lección en términos de cultura táctil: el “Preludio en Do menor” de Chopin como eco magistral del de Rachmaninoff.

Triunfo del tiempo…

“Il trionfo del Tempo e del Disinganno”

La melodía fue un éxito y Georg Friedrich Handel lo sabía. Lo encontró para su primera ópera en Hamburgo, por lo que volvió a usarlo en puntos clave de su trabajo hasta que se hizo mundialmente famoso con el texto de “Rinaldo”, su primera ópera para Londres, y todavía se cubre una y otra vez. Hoy: “Lascia ch’io pianga”o “Lascia la spina, cogli la rosa” son las palabras del oratorio “Il Trionfo del Tempo e del Disinganno”, con el que Handel, de tan solo 22 años en Roma, llamó la atención de las más altas esferas eclesiásticas y sociales. En el Festival de Salzburgo, regala a la romana Cecilia Bartoli uno de los momentos con los que la mezzosoprano siempre ha conseguido que el público contenga la respiración: fil di voce, como un hilo de voz plateado, flota con solitaria ternura por la casa de Salzburgo para Mozart.

La Bartoli prepara lo que promete el nombre de su figura alegórica: piacere – placer. La puesta en escena del Festival de Pentecostes  se ha reanudado en el Festival de Verano. El director Robert Carsen nos lleva al glamour superficial de los espectáculos de casting actuales: bajo la omnipresente mirada de las cámaras, Bellezza es elegida como “la próxima top model del mundo” de un grupo de bailarines realizados de jóvenes guapos y fiesteros. Estas imágenes podrían volverse rápidamente vergonzosas si Carsen no supiera cómo equilibrarlas con su fino sentido de la estética, clara y discreta. En el atuendo de Gideon Davey, los ojos externos de la cámara están dando paso cada vez más a espejos, en los que no solo Bellezza, sino también el público de Salzburgo pueden verse a sí mismos. La belleza llega al autoconocimiento cuando se ve por primera vez en el espejo cuando era niño y luego como una futura anciana. Viene —como lo quiere el texto—renunciando a todo brillo superficial en este mundo y encontrando su perfección en la belleza eterna del otro mundo.

La soprano suiza Regula Mühlemann asumió el papel de Bellezza. El sonido de la campana de su voz aguda es hermoso, pero en general, la parte es bastante baja para ella, lo que claramente limita su espectro de colores. El resto del elenco ahora actúa notablemente más relajado que en el estreno inmediatamente después del encierro, incluso Cecilia Bartoli, quien ahora está desarrollando su papel de manera aún más consistente a partir del texto. El tenor Charles Workman sigue siendo una encarnación ideal de la alegoría del tiempo que aparece aquí como pastor cosmopolita, porque sus tonos bastante directos y cálidos también se encuentran acústicamente con el tono pastoral.

El director Gianluca Capuano dirige la música con riqueza de color como retórica afectiva barroca, escalonando hábilmente la dinámica en los números individuales, así como durante la duración total de dos horas y media. Los numerosos pasajes para violines solistas y oboes que Handel planeó para una formación orquestal bastante pequeña, incluido él mismo como solista en el órgano, podrían, por supuesto, desarrollar aún más esplendor en solitario.

Al final, un solitario violín acompaña a la belleza en su último camino hacia ella, en el que el director Robert Carsen simplemente la deja pasar por la puerta trasera del escenario. Por primera vez, el escenario está completamente vacío, las cámaras que prometen atención han desaparecido hace tiempo y todos los espejos se han caído uno tras otro. Es el plano final, lacónico y eficaz, de una producción absolutamente coherente que es celebrada con ovaciones por parte del público de Salzburgo.

Leánlas completas aquí , aquí  y aquí