Andre JahJah trío: “El jazz es, de por sí, explorar lo inexplorado, y atreverse a tocar con instrumentos no tradicionales”

El trío de jazz, integrado por Andre al piano, Pablo Carretero al bajo y Jorge Santana a la batería, interpretarán los temas de su nuevo disco, Mongibello Island, en la inauguración del 52 Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música del Centro Superior de Investigación y Promoción de la Música de la Universidad Autónoma de Madrid (CSIPM-UAM). El concierto tendrá lugar el próximo sábado 26 de octubre en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional.

Andre, líder del trío, pianista, compositor y arreglista nacido en Brasil y establecido en Madrid. Graduado en el Conservatorio Souza Lima (São Paulo-Brasil), es profesor de Piano Clásico, Jazz e Improvisación, y Doctor en Música en España, por la Universidad Autónoma de Madrid. Su característico estilo posee una mezcla entre la música clásica del XVIII y el jazz contemporáneo. La larga trayectoria como músico de Flamenco, Jazz y Fusión avalan a Pablo Carretero, siendo alumno de Carles Benavent y Enrique Vargas. Graduado en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad Autónoma de Madrid y Máster de Jazz en Musikene, ha sido acompañante de artistas nacionales e internacionales. Aunque Jorge Santana comenzó con el piano, pronto se especializó en la percusión he hizo de la batería su aliada. Ha trabajado con varias discográficas como músico de sesión, tocando estilos tan diversos como el jazz o el rock progresivo.

P.- ¿Cómo surge la formación del trío?

Andre: Es una formación, dentro del concepto del jazz, más libertaria, ya que se permite que se explore de manera más fluida todos los registros de los instrumentos. Al grabar este disco, que es mi primer disco como solista, quería tener la libertad de explorar el piano en toda su tesitura, en permitir más comunicación entre bajo y piano, y que la batería siguiera las líneas melódicas y no como un mero acompañamiento. El formato trío lo quería principalmente por estas características. 

Tuve claro que quería un bajo eléctrico cuando conocí a Pablo. En ese momento, me cambió la manera de tocar, y a día de hoy no sé si es por el bajo o por la manera en que él toca el bajo. Pablo fue el séptimo músico que realizó las pruebas y tras él decidí no escuchar a nadie más, había encontrado al músico que buscaba.

Pablo: André estaba haciendo pruebas con bajistas y contrabajistas, y cuando yo hice la prueba, vislumbramos extensiones donde el piano podía llegar con un bajo eléctrico y una batería. André concibe estos instrumentos como una extensión del piano y como parte esencial de la música, no sólo como acompañantes del solista. En todos los temas del disco hay uno o dos solos de bajo, lo que no es muy habitual, y también hay partes en los que únicamente toca la batería, y esto es muy interesante desde el punto de vista conceptual, ya que André concibe los temas como un conjunto.

P.- Es habitual ver un contrabajo en las agrupaciones de jazz. Pero ustedes han optado por la inclusión de un bajo eléctrico a las manos de un bajista virtuoso como es Pablo Carretero. ¿Consideran como propio alejarse de los estándares o etiquetas establecidas?

Andre: La música que hacemos no pretende acercarse a los estándares del jazz. Hay que respetar de dónde vienen los músicos. La esencia misma de la música se aleja del estándar, y nuestras armonías no son comunes. Lo que une realmente a los instrumentos no es el estilo, es el concepto del jazz de crear música y unir diferentes esencias, pero a la vez, no buscamos el concepto de fusión, porque no hacemos fusión, sino que nuestra música está hecha ya de por sí alejada del tradicionalismo. Por ello, el bajo eléctrico se presta mejor para mi música, porque me proporciona una extinción de las notas que no tiene un contrabajo, y aporta otras características, como la prolongación de las notas. Es parte de nuestra ruptura con la tradición jazzística, porque, además, para mí el jazz estandarizado no es un modelo a seguir. ¿Por qué no romper entonces con la acústica de un bajo eléctrico? Es parte fundamental, el disco suena como suena porque tiene este elemento, sin el bajo eléctrico este disco habría sido algo completamente diferente.

Pablo: Lo común en el trío y en la música que compone André ha sido siempre ir a favor de la propia música. Y esto funciona en cuanto a no tener reglas, el jazz es, de por sí, explorar lo inexplorado, y atreverse a tocar con instrumentos no tradicionales. La música es libre de ir donde creas que tienes que ir o donde te lleve la música. Cuando comenzamos a tocar juntos, los dos íbamos a favor, viendo a dónde podíamos llegar para acompañarnos. De hecho, él compuso Foggy on Mongibello island para que la tocáramos juntos. Y decidimos ordenarla en el séptimo lugar del disco, por haber sido el séptimo músico que hizo la prueba. Obviamente es un tema muy especial para mí, y creo que refleja cómo, si te dejas llevar por las personas con las que estás tocando y disfrutas de la música que haces, puedes llegar a lugares que antes no conocías, tanto personales como de las personas que tienes al lado. Por medio del respeto y escuchándonos, hemos conseguido realizar otro tipo de música diferente. 

Etiquetar siempre limita mucho y es fácil caer en estereotipos sobre cómo debería ser un disco de jazz. Las etiquetas ayudan a veces para estructurar, pero luego limitan, y a la hora de componer o de grabar un disco, creo que se debería apartar cualquier barrera que impida crecer.

P.- Andre, su técnica al piano mezcla la técnica jazzística con las bases del clásico. ¿Cómo ha conseguido un sonido tan personal?

Andre: Creo que todos los músicos tenemos un lenguaje personal. El hecho de haber estudiado piano clásico desde pequeño se da porque yo quería estudiarlo e ir a clases. Me nutrí de aquello que me dieron y entré de cabeza en Bach, Beethoven, Chopin, Mussorgsky… La base de mi formación es clásica porque en mis tiempos tampoco había una “academización” del jazz. Por otro lado, viviendo en Brasil, yo escuchaba y tocaba con músicos brasileños, fue en el conservatorio cuando empecé a conocer otros estilos.

Del mismo modo, Pablo tiene otra fuente diferente de la mía, y esto hace que Pablo suene como suena. Jorge tiene otra fuente, viene del rock progresivo. Y lo que nos une es el lenguaje del jazz, pero lo que hace que sea bonito es cuando se juntan músicos que tienen sus lenguajes diversos. Muchas veces coincidimos en las giras con músicos que son un poco clones porque han bebido de la misma fuente. No es una búsqueda por un sonido personal, yo creo que lo que hace a cada uno irrepetible son las diferentes fuentes de donde bebió, las diferentes gentes con las que tocó, los sitios en los que ha estado…

Pablo: Algo que ha conseguido André y que no he visto en otros músicos, es que se ha aceptado como músico, y se muestra como tal. Siempre tenemos una presión de querer demostrar o tocar todo lo que sabemos, y en el jazz hay cierta tendencia de tener que hacer una serie de intervenciones y que todo parezca muy medido. Eso tiene mucho mérito, pero en este trío intentamos aceptarnos tal y como somos, y cuando nos juntamos lo compartimos y creamos cosas diferentes en cada concierto. Y creo que eso es lo que lo hace especial y bonito.

P.- Es la primera vez que tocan como grupo en el Auditorio Nacional. ¿Qué implica para ustedes poder presentar su primer disco en la Sala de Cámara?

Pablo: Yo no vengo del clásico, y para mi es algo increíble y una oportunidad tremenda. La música te lleva a lugares increíbles y a conocer a gente espectacular. Es una suerte enorme el poder estar en un lugar como el auditorio por el que han pasado los mejores músicos. 

Andre: Estar en el auditorio tocando nuestra música y nuestro disco, con la libertad de hacer lo que creemos y lo que creamos, es muy emocionante. 

P.- El CSIPM, de la Universidad Autónoma de Madrid, lleva 52 años realizando su ciclo de conciertos. ¿Qué significa para ustedes formar parte de él?

Pablo: Tenemos una estrecha relación con la Universidad Autónoma. Yo entré por un tema personal y me cambió la vida. Gracias a la universidad, conocí a mi mujer y madre de mi hija, a Andre y a mis mejores amigos. Y ahora, tenemos la oportunidad de estar dentro de los ciclos, que es algo muy importante. Como estudiante tuve la oportunidad de ir a varios conciertos del ciclo y pude disfrutarlos. Ahora, poder ir a tocar y ser parte de ello es un honor, y me siento muy agradecido.

Andre: Cuando llegué a España desde Brasil, la universidad me acogió como alumno de doctorado e investigador, y posteriormente profesor. También como director del combo de jazz, como intérprete, y a través de la universidad también conocí a grandes amigos como Pablo. Me hace sentir muy especial que podamos tener la oportunidad de tocar en el auditorio con lo que eso representa, y me hace sentir también muy especial que sea gracias a la Autónoma y al Centro Superior de Investigación y Promoción de la Música. Nunca imaginé ser parte de algo tan importante como el Ciclo de Grandes Autores. Yo recuerdo de cuando llegué a la universidad, ver los carteles del ciclo y veía nombres de músicos que yo admiraba, y nunca me imaginé que mi nombre podría estar un día en él. Es una emoción enorme.

P.- En vuestro disco aportáis un toque de frescura al jazz por medio de la innovación. ¿En qué se basa Mongibello Island? 

Andre: El disco está inspirado en la trama de la novela de Patricia Highsmith, El talento de Mr. Ripley. No es una banda sonora, porque no estamos poniendo música en una película, pero intentamos captar la esencia de estos personajes. Por eso el disco tiene una manera lineal de entenderse. A excepción del primer y último tema, el centro del disco es lineal, con referencias de un tema dentro del otro poco evidentes, armonías que se comunican… Es una manera de componer. 

Pablo: A la hora de componer sirve muchísimo establecer un concepto o una idea que transmitir. Cuando Andre me habló de cómo estaba componiendo la música a raíz de esta historia, me sirvió mucho para comprender el proceso creativo que tiene y cómo tratar los temas, no sólo desde la parte técnica sino tratando de ir más allá sobre qué es lo que quiere contar.

Andre: Ayuda a anularte un poco. Porque en el momento en que le das importancia al concepto musical o a la idea que quieres transmitir, la técnica deja de importar tanto. Podríamos tocar más notas, hacer más solos, explorar diferentes técnicas… Pero el concepto te ayuda a anularte un poco y a elevar la creación musical. Por ejemplo, en el tema Ripley, yo concebía la primera sucesión de acordes como una progresión armónica basada en Sí menor. Pero Pablo lo interpretaba como Mi menor. Y a mí me gustaba que él lo viera así, porque mi cifrado es uno y el de Pablo es otro. 

P.- ¿Qué aspectos destacarían del disco?

Pablo: Yo destacaría que el disco está grabado todo en directo y en una sola toma, sin cortes. Y entró todo, incluso si hay errores, aunque yo no los llamaría errores, son momentos de la composición musical, porque la perfección no existe, con lo cual no hay que buscarla. Buscábamos generar tanto dinámicas e intensidades diferentes, contrastes… Jugar mucho con la música y que eso quedara plasmado. Es algo que cuando se suele grabar no se encuentra, y nosotros queríamos hacer algo arriesgado y divertido, que es como se grababan antes los discos, con tecnología moderna, pero con ese ambiente de grabar todo de seguido.

Andre: Yo quería grabar desde el principio algo que aportáramos nosotros, no algo que aportara técnica de sonido y grabación. Aquí ya entra la capacidad de los músicos. Una cosa curiosa es que cuando estaba presentando el disco, tenía varias propuestas de discográficas, y ninguna creía que el disco hubiese sido grabado en directo. Tuve que ir a la propia discográfica y tocar todo el disco en el momento para demostrarlo. Este hecho no es mérito mío, sino nuestro como conjunto y de lo que hemos creado en los directos. Ya que todo lo que está en el disco, en los conciertos se expande muchísimo.

P.- Cuéntenos qué relación hay entre las dos versiones del tema Mangueira 

Andre: Esos temas, que son el primero y el último, están muy arraigados en el jazz y en las raíces brasileñas. Hemos plasmado rítmicas similares entre ambas y un concepto abstracto de samba, ya que conceptualmente están conectadas; abren y cierran el disco. A su vez, el conjunto polirrítmico de ambas se lleva al extremo por medio de su propia expansión. Por ejemplo, en Mangueira II hay un follón de compases que no es posible determinarlos en una primera escucha.

P.- ¿Cómo fue la publicación del disco?

Andre: Lo publicamos con una discográfica noruega llamada AMP Music&Records porque su línea editorial iba bastante en línea con nuestros requisitos, y consideramos que era un buen expositor donde publicar nuestro trabajo. Nos lanzó una propuesta con la que estuvimos de acuerdo con lo que buscamos, sobre todo con el trabajo que realiza después de la publicación del disco y su trato con los artistas.  

P.- Andre, en sus conciertos y videos, es fácil fijarse en un detalle que no muchos músicos realizan. ¿Qué significado tiene para usted tocar descalzo?

Andre: Este aspecto me lo preguntan siempre, es una cuestión personal y un secreto que, por el momento, no deseo revelar. Decidí tocar descalzo en un momento concreto, pero también me gusta tocar con la misma ropa. Pero al tocar descalzo me siento mucho más cómodo, da igual que sea en la calle o en interior, haga frío o calor.

P.- ¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Pablo: Viviremos el concierto del Auditorio como algo muy especial. Y después tenemos concretados una serie de conciertos con los que estaremos girando. No pasará demasiado tiempo para pensar en dar el siguiente paso, que será la grabación del segundo disco. 

Andre: Lo primero es dar a conocer el disco. Acabamos de volver de tres meses de gira en verano, fuera de casa, y esto sigue adelante. Continuaremos por tanto dando conciertos. Para la composición del siguiente disco aún falta tiempo, aunque ya vas componiendo temas mientras vas girando, pero la grabación se dará después de la promoción, aún nos queda mucha carretera y muchos vuelos.

Diego Peláez Mateos.